miércoles, 12 de diciembre de 2012

Lothar Osterburg [Fotograbados]

Lothar Osterburg

Lothar Osterburg es un artista de origen alemán residente en Estados Unidos, que se ha especializado en las técnicas del fotograbado. Trabaja con pequeños modelos esculpidos de molinos de viento, faros o botes, entre otros, situados en entornos evocativos. Construídos con objetos antiguos o materiales fácilmente disponibles, los modelos presentan un aire ensoñador, ampliado por la situación de la cámara dentro de ese mundo; la perspectiva es la de una persona que estuviera dentro del conjunto, enmascarando el tamaño real de los objetos. El espectador, sumergiéndose en la escena, llena los vacíos creados por la ausencia de personajes. Los modelos más pequeños son fotografiados a través de lentes de aumento u objetivos macro. Con ésta profundidad de campo tan reducida, las escenas se vuelven ambiguas, misteriosas o incluso siniestras, aún cuando de alguna manera se intuye la típica presencia de la mano juguetona de Osterburg.

"Piranesi State 2", fotograbado, 16" x 20", lámina 20" x 27", 2008
"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

"Squatters (Ocupas)", fotograbado, 22,25" x 16,25", 2010
"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg
Tanto en su estudio, como en la costa rocosa de la Mount Desert Island en Maine o en un microcosmos de huellas de neumáticos congeladas en MacDowell Colony, las puestas en escena mejoran las texturas de los materiales excéntricamente diversos que utiliza el artista, creando una tensión entre lo representativo y lo realista.
Un árbol de morera caído desde su patio trasero Brooklyn se transforma en toda una rústica aldea costera. Grandes veleros hechos de ramas, leña y papel higiénico, un traslúcido faro de glicerina en una isla de papa, utensilios reciclados de fontanería, pomos de puertas de vidrio, jabón y un mar tormentoso hecho de mantequilla de maní todos aparecen en este mundo flotante y encantador.

"Tenements (Viviendas)", fotograbado, 22,25" x 16,25", 2010
"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

"Underground (State 2) [Subterráneo (2º estado)]", 22,25" x 16,25", 2010
"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg
El fotograbado es un verdadero proceso de grabado fotográfico de tono continuo. Las tonalidades se crean por capas de tinta, que varían gradualmente en profundidad, con una aguatinta muy fina (con islas sin grabado de aproximadamente el mismo tamaño) para contener la tinta. Ésto se consigue grabando la placa gradualmente desde las sombras más oscuras hasta las luces más brillantes. Ésta forma de fotograbado permite producir un rango de tonos mucho más alto que cualquier otro proceso fotográfico, desde los más profundos negros aterciopelados a las más sensibles y brillantes luces. Paul Strand consideraba el fotograbado perfectamente adecuado para su trabajo por la capacidad de ésta técnica para alcanzar los casi infinitos valores tonales que van más allá de la mano humana. La placa final es impresa, como un grabado, en papel de alta calidad. La tinta es una tinta con base oleosa espesa de cualquier tono o color. El resultado es una impresión fotográfica de archivo de tono continuo en un papel a elección del artista con la placa marcada en relieve, obteniendo una impresión final de calidad casi tridimensional. Sin embargo, las dificultades técnicas de éste proceso pueden parecer en ocasiones infinitas. Ansel Adams una vez dijo que el fotograbado era una técnica hermosa, pero no le recomendaría a nadie que la hiciera.

"Beached (Varado)", fotograbado en papel Somerset blanco, fotograbado, 11" x 14", 2009
©  Lothar Osterburg
En contraste, la mayoría de las técnicas de impresión utilizan semitonos para simular valores con puntos mayores o menores de la misma tonalidad. Se utilizan en las pantallas tradicionales de semitonos y periódicos, catálogos, revistas, postales y libros de arte. Los semitonos modernos también pueden crearse por la acumulación de pequeños puntos de igual tamaño en pantallas e impresoras de chorro de tinta. La imágen aparece más clara y oscura, dependiendo de cuánto papel queda en blanco y cuánta superficie queda cubierta por la tinta.
Traducido libremente del texto que describe los procesos de fotograbado en la web de Lothar (ver "Photogravure process").

"Channel crossing with Hot Air Balloon (Cruce del canal con un globo de aire caliente)"
Fotograbado, 22" x 28", 2005 ©  Lothar Osterburg

"Delay on track one (Demora en la vía 1)", fotograbado, 22,75" x 35", 2009
"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg
"Siempre he estado interesado en el arte, me gustaba dibujar, pero a lo que estaba orientado era hacia la música; tocaba el doble bajo y el piano. Seis meses antes de que mi solicitud para el conservatorio se hiciera efectiva, mi profesor de doble bajo me cogió a mí y a mis padres y dijo "deberías repensar seriamente lo de tocar el doble bajo porque... no practicas lo suficiente, sólo tocas de oído, sólo lees la música, eres bastante holgazán"

Fue duro al principio; yo tenía 18, así que hice lo mejor que podía: me apunté a la escuela de arte. Antes pasé un año en el servicio militar, pero fui objetor de conciencia, así que hice un servicio civil, y tuve la suerte de conocer a un compañero que me ayudó a preparar mi portafolios. Encontré en ese primer semestre en la escuela de arte lo que no había encontrado en el doble-bajo; el amor por el trabajo en sí mismo. Iba al estudio y olvidaba el tiempo por completo, tan sólo dibujando y pintando me sumergía completamente en el trabajo.

La especialización en la impresión sucedió muy temprano; yo era muy bueno en el aspecto técnico, así que en el primer año ya había alcanzado una posición de alumno-profesor. En la escuela de arte comencé haciendo impresiones para otros artistas, pero antes de terminar sentí que necesitaba obetener más experiencia. Sólo había vivido en mi ciudad natal en el norte de Alemania. Así que en mi último año en la universidad aprovecíe un programa de intercambio en San Francisco, y eso me abrió el campo durante años."
 De una entrevista que puede leerse completa (en inglés) aquí.

"Downtown Transfer (State 2) [Transfer al centro (2º estado)]"
Fotograbado Hardground, aguatinta, rascado, bruñido y punta seca, 34" x 29", 2010
"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg
Lothar Osterburg is a german born, USA based artist specialized in technics of photogravures. He works with small, sculpted models of windmills, lighthouses, sailboats among others, staged in evocative settings. Built from memory of readily available materials, the models have a dreamlike quality which is enhanced by the placement of the camera within their world; the perspective is that of a person within the set, obscuring the actual size of the objects. The viewer, drawn into the scene, fills the gap created by the absence of people. The smallest models are photographed through a magnifying glass or with a macro lens. With this extremely short focal range, the scenes become ambiguous, mysterious, or even ominous while somehow retaining the playful quality typical of Osterburg’s hand.

"Flat Earth (Tierra plana)", fotograbado, 29,75" x 22,5", 2006 ©  Lothar Osterburg

"Soap bathroom (Baño de jabón)", impresión con goma bicromatada, 19" x 23", 1997
©  Lothar Osterburg
Whether in his studio, or against the rocky coast of Maine’s Mount Desert Island, or in a microcosm of frozen tire tracks at the MacDowell Colony, the staged settings enhance the textures of the artist’s eccentrically diverse materials, creating a tension between the representational and the realistic.

A downed mulberry tree from his Brooklyn backyard spawned an entire rough-hewn coastal village. Tall ships made of firewood, twigs and toilet paper, a translucent glycerin lighthouse on a potato island, recycled plumbing supplies, glass doorknobs, soap and a stormy sea made of peanut butter all appear in this delightful, buoyant world.

"Trailerpark (Parque de casas rodantes)", fotograbado en dos colores, 10" x 10", 2010
"Piranesi project" ©  Lothar Osterburg

"Watermusic: Icebound (Música marina: Varado en el hielo)", fotograbado, 7" x 7", 2005
©  Lothar Osterburg
Photogravure is a true continuous tone photographic etching process. The tonalities are created by an ink layer, gradually varying in depth, with a very fine aquatint (unetched islands of approximately equal size) to hold the ink. This is achieved by etching the plate gradually from the deepest shadows to the brightest highlights. This way the photogravure is capable of producing a much wider range of tones than any other photographic process, from a deep velvety black to sensitive, bright highlights. Paul Strand considered photogravure perfectly suited for his work because of the technique's capacity to achieve the almost infinite tonal values which lie beyond the human hand. The finished plate is printed, as an etching, on a high quality paper. The ink is a stiff oil based etching ink of any tone or color. The result is an archival continuous tone photographic print on a paper of the artist's choice with the plate mark embossed, giving the final print an almost three-dimensional quality. However, the technical difficulties of this process can seem equally infinite at times. Ansel Adams once said that photogravure was a beautiful technique, but he would not recommend that anyone do it.
In contrast, most photographic printing techniques use halftones to simulate values with smaller or larger dots of the same tonality. They are used in the traditional halftone screens in newspapers, catalogues, magazines, postcards and art books. Modern halftones can also be created by the accumulation of equal size small dots as used in the stochastic screens of inkjet printers. The image appears lighter or darker depending on how much white paper shows or how much area is covered by ink.
Text from Lothar's website. Check the "Photogravure process" section.

"Library dream (Sueño de biblioteca)", fotograbado, 25" x 25", 2011 ©  Lothar Osterburg
"I was always interested in art, liked to draw, but was basically geared to become a musician, I played double-bass and piano. Six months before my application to the conservatory was due, my double-bass teacher took me & my parents aside and said “you should really re-think the double-bass because…you don’t practice enough, you only play by ear, you only read the music, you’re kind of lazy.”

It was hard at that time, I was 18, so I did the next best thing, and applied to art school. First spent a year in military service, but I was a consciencious objector so did civil service, and had the luck of meeting another fellow there who helped me put my portfolio together. I found in the first semester in art school what I never found in the double-bass, the love of the work itself: going to the studio and completely forgetting time, just drawing and painting and completely getting immersed in the work.

The specialization of printmaking happened pretty early; I was very good at the technical aspect of it so within a year I had a student-teacher position. In art school I started making prints for other artists, but before I finished, I felt I needed to get some more experience. I had only lived in my hometown where I was born in Northern German. So in the last year of university I took an opportunity of an exchange program in San Francisco, and that opened a lot of years for me."
From an interview you can fully read here.

"Congestion planet (Planeta congestionado)", fotograbado a 4 colores, 7" x 7", 2008 ©  Lothar Osterburg

Más información e imágenes del trabajo de Lothar en la página web del artista, en su ficha de "Art of  the Photogravure" (una excelente fuente para los interesados en éstas técnicas), y también por ejemplo en la web de la Galería Moeller.
More info about Lothar and images of his work in artist's website, in "Art of  the Photogravure" (an excellent source for all interested in this technics), and also in Galería Moeller's website.
All the images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lothar!)
Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Lothar!)
Como recientemente he estado en Vietnam, me han llamado la atención algunos de los trabajos de Lothar que representan imágenes típicas del país.
I've been recently in Vietnam, so a couple of Lothar's works representing vietnamese typical images captured my attention.
"Floating Village in Halong Bay (Aldea flotante en la Bahía de Halong)", fotograbado, 22" x 15", 2005
©  Lothar Osterburg

"Aldea flotante en la Bahía de Halong (Floating Village in Halong Bay)"
La fotografía es mía, tomada el 5/9/2012

"Vietnamese Footbridge (Puente de monos vietnamita)", fotograbado,  29" x 23", 2002
©  Lothar Osterburg

"Puente de monos vietnamita (Vietnamese Footbridge/Monkeybridge)"
Delta del Mekong, alrededores de My Tho. La fotografía es mía, tomada el 24/9/2012
Otro artista que, en un estilo completamente diferente, crea sus propias maquetas para luego fotografiarlas es Didier Massard. Pueden echar un vistazo a su trabajo en éstos posts [Didier Massard (Fotografía)], [Rinocerontes (XVI)]
Un par de videos para ver a Lothar en directo hablando de sus ideas y trabajo. 
A couple of videos to see Lothar talking about his ideas and work.

lunes, 3 de diciembre de 2012

Jose Jimenez Cañete

 Extracto de ALTFOTO, un blog sobre fotografía con una sección dedicada a nuevos valores. Como muestra ahí va una entrada dedicada al amigo y exalumno de nuestra escuela (Serra i Abella, l'Hospitalet, para los seguidores que no lo sepan) Jose Cañete.

A los alumnos que me siguen en este blog os recomiendo este sitio, entre otros, para intentar divulgar vuestro trabajo fotográfico.
En este caso, además, os invito a que veais una muestra de lo que la Escuela puede sacar de vosotros, o, si lo preferís, de lo que podéis sacar de vosotros mismos independientemente de la influencia de la Escuela.

 

 

Fotógrafos desconocidos: Jose Jimenez Cañete

7 de septiembre, 2012, 22:03
Hace unas semanas convertimos a los lectores en protagonistas: les pedimos que nos envíen sus galerías de fotos para que podamos verlas y aquellas que nos resultaran interesantes, realizarles una entrevista. El asunto fue un éxito, al punto que tuvimos que cerrar los comentarios de la entrada ya que 145 galerías fue bastante para revisar. Hoy les traigo la sexta entrevista, otro fotógrafo español multifacético.

ALTFoto - Antes que nada, preséntate ante tu publico. Quien eres, como te llamas, donde vives y a que te dedicas.
Jose Jimenez Cañete - Hola a todos y a todas me llamo Jose Jimenez Cañete soy un chico de 35 años, nací en Hospitalet de Llobregat, Barcelona.
A - ¿Como fue que te acercaste a la fotografía? ¿Como comenzaste en este apasionante mundo?
J. J. C. - Desde siempre me ha gustado la fotografía. Yo diría que se me despertó el interés cuando empecé a viajar por el 2004; aunque mis pasos mas en serio fueron cuando por motivos laborales me planteo estudiar fotografía para dedicarme a ello mas o menos a finales del 2009.

A - Cuéntanos un poco acerca de tu equipo y software que utilizas. ¿Como es tu workflow?
J. J. C. - Tengo un equipo Canon, cuerpo 5D Mark II, objetivos Canon Serie L, 16-35mm, 24-70mm, 70-200mm y Flash Metz 58.
Siempre tiro en RAW, la toma fotográfica es muy importante, es la base de cada imagen, después en edición podrás mejorarla pero la foto en su origen debe de ser buena.
En la edición los primeros ajustes los realizo con el CameraRaw, desde este abro la imagen en Photoshop CS5. Suelo utilizar un sistema de capas de niveles con las que ajusto la iluminación de la imagen, después con capas de curvas invertidas voy retocando aquellas zonas que me interesan.
A - Cuéntanos acerca de tu carrera profesional en la fotografía. Con quien has trabajado y cual fue tu rol.
J. J. C. - Bueno yo acabo de empezar, he trabajado como fotógrafo-retocador en una empresa que se dedica a la venta on-line de pedrería en Castedefells, Barcelona.
Estuve de becario como fotógrafo de prensa en el diario El Pais, donde tuve una experiencia muy positiva, me publicaron muchas fotografías que me han servido para aumentar mi porfolio. El fotoperiodismo es el campo que mas me gusta y donde mas comodo me encuentro.

A - ¿Como llegaste a ser un profesional de la fotografía? ¿Es difícil llegar y mantenerse?
J. J. C. - Hoy día dedicarte a la fotografía es muy complicado; no siempre tienes encargos, cuando no tengo trabajo de fotógrafo continuo con mis proyectos fotográficos personales, esto me da una continuidad que te hace crecer como fotógrafo y como persona porque haces lo que te gusta.
A - Tu porfolio te muestra como alguien polifacetico. Muestras varias galerías y todas de temáticas variadas. ¿Que área es la que más te gusta? ¿Cual es la más rentable?
J. J. C. - El campo que mas me gusta es el reportaje. Una foto puede ser bonita, pero un reportaje te esta contando una historia, una serie de fotografías que hablan por si mismas y te cuentan un relato tan real como la vida misma. Me interesan las personas, intento retratar los contrastes sociales que existen en la sociedad, realizando una critica al sistema en el que vivimos.
Si hablamos de dinero, todo lo que sea publicidad y grandes marcas se llevan el oro, pero este oro es solo para un circulo reducido de fotógrafos donde es muy difícil por no decir imposible entrar.
En el fotoperiodismo la cosa esta muy mal, si quieres competir tienes que estar viajando 10 meses al año gastándote el dinero y jugandote la vida para que luego algún editor pase de tu trabajo o lo deje en un cajón, aunque uno no debe de perder la esperanza y seguir trabajando, con trabajo hay resultados.

A - Varias de tus galerías se relacionan con las drogas. ¿Que motivación fotográfica hay detrás de estos proyectos?
J. J. C. - Me criado en Hospitalet y desde pequeño he vivido en un barrio azotado por las drogas y conozco ha gente que ha perdido la vida por ellas, todo esto creo que me ha influenciado.
A - Muéstranos tu fotografía favorita. Cuéntanos algo de como la realizaste.
J. J. C. - No tengo ninguna favorita, habrá un grupo de 8 o 9 fotos que para mi entender están bastante bien.
A - ¿Quienes son tus fotógrafos (conocidos o no) favoritos? ¿Donde buscas la inspiración?
J. J. C. - Mis fotógrafos favoritos los podria encuadrar en dos grupos: clásicos y contemporáneos.
Entre los clásicos Josef Koudelka, Eugene Smith, William Klein; los retratos de Richard Avedon son espectaculares.
Hoy en día hay fotógrafos como Trent Parke de Magnum y Michael Ackerman de VU , realizan unos trabajos espectaculares, en estos dos fotógrafos me intento fijar para construirme un estilo propio.

A - Para terminar, ¿que consejo le darías a nuestros lectores que recién comienzan con la fotografía?
J. J. C. - No soy nadie para dar consejos, pero que si le gusta esto que no se corten, que practiquen y verán como cada vez van mejorando; que aprendan la técnica que no es muy complicada y poco a poco se irán sorprendiendo de sus resultados, ¡muchos ánimos!
Y así concluimos esta entrevista. Si quieres ver el resto del trabajo de Jose puedes visitar su portfolio o recorrer la galería de aquí debajo.
Cada vez falta menos para que volvamos a abrir la inscripción, así que ¡a no desesperar!

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