 |
| Helmut Newton |
FOTOGRAFIA DE MODA
|
INICIS |
|
|
|||||
|
1850s
· Retrats per LOUIS PEARSON de la Comtessa de Casteglioni al llarg de 25 anys. · “Les Modes”: 1a revista que va publicar fotografies amb estrelles del món de l’espectacle com a principals models · Tots dos exemples estableixen una Influència Mútua: “Retrats de moda”
Pierson es va interessar per la fotografia mentre el medi estava en la seva infància a principis de la dècada de 1840. Tenia un estudi de fotografia a París ja el 1844 i gaudia d'una sòlida reputació. Durant molts anys va situar el seu estudi al número 5 de boulevard des Capucines, on va estar associat amb els germans Mayer (Léopold-Ernest Mayer i Louis-Frédéric Mayer). En aquesta direcció, la seva empresa es va convertir en una empresa formidable. Fotògraf de La seva Majestat l'Emperador Napoleó III
Utilitzant inicialment el daguerreotip, l'estudi Pierson-Mayer es va convertir en un dels primers a especialitzar-se en fotografia de retrat retocada amb aquarel·les o olis. L'emperador francès Napoleó III va arribar a preferir el seu estudi, especialment una vegada que va establir el Segon Imperi en 1852.
Pierson va crear nombrosos retrats de la família imperial francesa durant la cúspide de l'Segon Imperi. Entre 1855 i 1862, al cim de la prominència de l'estudi Pierson-Mayer, allí es fotografiaven persones de tot tipus, inclosa la cort imperial, l'aristocràcia, poderosos empresaris, actrius i músics. Pierson i els germans Mayer van fotografiar als reis de Württemburg, Portugal i Suècia. A partir de 1862, la seva clientela es va tornar més variada i, el 1866, incloïa persones de tots els orígens socioeconòmics. |
1eres fotos
Pierson va conèixer a la comtessa de Castiglione en 1856, i seguiria sent el seu fotògraf oficial durant quaranta anys. En 1867, Pierson va exhibir el seu retrat de la comtessa que es va fer passar per la reina de cors a la secció francesa de fotografia a l'Exposition Universelle d'aquest any a París.
Pierson i la comtessa van començar una intensa col·laboració entre fotògrafa i model entre 1861 i 1867, en què va esdevenir una mestra de l'art de la mise-en-scène i va desenvolupar papers de madonna, dona maltractada, mare i la dona d'alt estil vestida amb vestits extravagants. En una atmosfera lúdica que es va deixar en gran part a la improvisació, la comtessa, amb l'ajuda de Pierson, va crear moltes personalitats diferents. Es van estudiar vestits, pentinats i actituds amb un efecte dramàtic. Gràcies a l'efecte dels miralls, va poder presentar diferents concepcions del jo al mateix temps. Certs estudis mostren el seu cabell estès; altres, retallats. Sempre a la seva disposició, Pierson va fotografiar les seves cames i peus exposats, que eren considerats imatges eròtiques, molt atrevides per l'època.
No obstant això, durant la vida de la comtessa, aquestes fotos van ser el seu secret i el de Pierson. Entre 1856 i 1895, la comtessa va posar per a més de 450 retrats. Aquesta frenètica sèrie de fotos, bastant rara per a l'època, va ser un dels primers exemples de l'autoretrat fotogràfic
Robert de Montesquiou, poeta simbolista, dandi i àvid col·leccionista d'art, estava fascinat per la comtessa de Castiglione. Va passar tretze anys escrivint una biografia, La Divine Comtesse, que va aparèixer en 1913. Després de la seva mort, va recopilar 433 de les seves fotografies, totes les quals van entrar en la col·lecció del Museu Metropolità d'Art. |
A més de personatge de l’alta societat, va ser socialment i política molt influent (fins al punt de dissuadir Bismark, segons es dedueix d’un encontre secret, d’ocupar Paris durant el conflicte Franco Prussià.
Va exercir d’alguna manera d’artista fotogràfica cap a 1856 en endavant, quan va començar a posar per Mayer i Pierson, fotògrafs afavorits per la cort imperial. Durant les següents quatre dècades, va dirigir a Pierre-Louis Pierson perquè l'ajudés a crear 700 fotografies diferents en les que recreava els moments característics de la seva vida per a la càmera. Va gastar gran part de la seva fortuna personal i fins i tot es va endeutar per executar aquest projecte. La majoria de les fotografies mostren a la Comtessa amb els seus vestits teatrals, com el vestit de Reina de Cors. Diverses fotografies la representen en posis atrevides per l'època, en particular, imatges que exposen les seves cames i peus nus. En aquestes fotos, el seu cap està retallat.
|
|||||
|
Miss Lancret, Woman i a fur coat, ... |
|
||||||
|
(1850) Estudi Reutlinger
Charles Reutlinger (en realitat Carl Reutlinger, nascut el 25 de febrer de 1816 a Karlsruhe, † el 24 de juny de 1888 a Frankfurt) va ser un siluetista i un dels primers fotògrafs alemanys a obrir un estudi fotogràfic a París.
Carl Reutlinger va néixer a Karlsruhe com el quart fill d'un comerciant de vins jueu i ex oficial. A través de la seva tia Weiss, una siluetista, va entrar en contacte amb aquest art a l'edat de 18 anys. De 1835 a 1849 va viatjar i inicialment va treballar com siluetista. Des de 1839 tenia la ciutadania de Karlsruhe. No se sap en quin any Reutlinger va desenvolupar el seu interès pel daguerreotip. Va tenir les seves primeres experiències en l'estudi de Steinberger & Bauer a Frankfurt. Gottlieb Bauer havia après fotografia anteriorment a París. En els anys 1847 a 1850, Reutlinger pot identificar-se com un daguerrògraf i fotògraf migrant.
A principis d'abril de 1847, Carl Reutlinger va arribar a Tübingen i es va allotjar a la "casa Wiedmanschen", una taverna de cervesa a Stuttgarter Chaussee, que ara és Hölderlinstrasse. Va oferir retrats en daguerreotip, que mentrestant també es podien fer en una habitació. Els serveis addicionals van ser la realització de còpies dels retrats, també per al muntatge de fermalls i anells. A més dels anuncis de Reutlinger, a l'començament de la seva estada va aparèixer allà una recomanació de professor sènior de la vida real Gottlieb Friedrich Kieß, que ja havia experimentat amb el daguerreotip diversos anys abans. Atès que els preus dels retrats eren ara més baixos i el tràmit més senzill, la resposta de públic va ser tan gran que l'estada, inicialment prevista per poc temps, es va ampliar a dos mesos.
|
Charles Reutlinger fotografia (Lèontine -soprano-, Sorel, Delys i Pierret... i altres actrius i artistes influents de l’època)
Reutlinger havia estat a Stuttgart des de principis de maig de 1848 com a molt tard, on va romandre a l'antiga fàbrica d'estany de Vetterchen en Furthbach 8. El 21 de maig de 1848, Reutlinger [8] va anunciar la seva partida anticipada, però va romandre a Stuttgart fins maig de 1849 tot i el moment difícil (tensions polítiques i disturbis) va tenir èxit. [2] Com a Tübingen, Reutlinger va elogiar els daguerreotips que es van fer en una habitació, el que va provocar una acalorada discussió amb altres daguerreotips de Stuttgart: Israel Käser i Carl Dihm. A diferència d'ells, que advocaven pels daguerreotips a l'aire lliure, Reutlinger tenia els mitjans econòmics per costejar l'espai i la tecnologia necessària. [9] Es va mantenir en termes amistosos amb els dos i amb el jove silueta Friedrich Brandseph, a qui va iniciar en els secrets de la fotografia. El contacte va continuar després que Reutlinger s'anés a París. [10]
En un moment desconegut, Reutlinger estava treballant a Ulm. [11]
Reutlinger romandre a Augsburg des de finals de març de 1850 fins a mitjans d'agost de 1850. Per a això, s'havia traslladat a un apartament davant de l'Schwibbogentor. Immediatament després es va traslladar a París.
Reutlinger es va cassar amb Therese Weiss. Donava lliçons d'elaboració de flors artificials, brodats i cert tipus de torrat de cafè, i en 1852 també lliçons de fotografia de col·lodió. Òbviament ella va recolzar al seu espòs en el seu treball. |
El 1850, Carl Reutlinger es va instal·lar al Boulevard Saint-Martin, on va obrir el seu primer estudi parisenc. Estava en el sisè pis, tenia un front de vidre d'uns 6 m de llarg, l'alçada de sostre era d'uns 3,6 m, mirava a nord i tenia una vela solar. Els cristalls de sostre eren mat. Hi havia fons senzills i pintats, així com taules, cadires, columnes i cortines com a elements addicionals per al disseny.
Des del principi, va utilitzar el procés de col·lodió humit allà i es va comercialitzar com Charles Reutlinger. Aviat va ser recolzat pel seu germà menor Émile Reutlinger, el fill Léopold-Émile Reutlinger i el seu nét Jean Reutlinger també es van convertir en fotògrafs de renom.
L'estudi posterior estava al Boulevard Montmartre 21, un estudi lateral a la Rue Richelieu 121. L'estudi de Reutlinger era popular pels seus retrats d'actors, artistes, músics, compositors, cantants d'òpera i ballarins de ballet de la seva època. Algunes fotografies mostren l'escut d'armes del Regne de Gran Bretanya al revers. Reutlinger va poder fotografiar a membres de la família reial. Va registrar el nom de l'empresa "Ch. Reutlinger" que havia protegit legalment.
El 1880, el fundador de l'empresa, Charles Reutlinger, va lliurar l'empresa al seu germà i soci, Émile Reutlinger.
Els estudis fotogràfics fundats per Charles a París van estar actius fins 1937.
Carl Reutlinger es va mudar a Frankfurt per consell dels seus metges.
Aquí va participar activament en la "Associació per a la cura de la fotografia i les arts afins a Frankfurt / M.". En 1885
Reutlinger va ser vicepresident de l'associació i membre honorari. |
|||||
|
CANVI DE SEGLE |
La fotografia de moda va començar amb gravats reproduïts a partir de fotografies de Leopold-Emile Reutlinger, Nadar i altres a la dècada de 1890. Després de fer-se possible la reproducció de fotografies a mitja tonalitat de gran qualitat, la majoria dels crèdits com a pioners del gènere es recauen en el baró francès Adolph de Meyer i el luxemburguès Edward Steichen que, el 1907, manllevant la càmera de mà del seu amic, va fotografiar càlidament les senyores vestides de enlluernament. al Hipòdrom de Longchamp [1] i que, per al 1911, havia estat assignat per la revista francesa Art et Décoration per produir imatges de vestits del dissenyador parisenc Paul Poiret, competint amb els dibuixos i estampes pochoir anteriors i, al mateix temps, utilitzats per a plaques de moda. |
|
|||||
|
1900s |
|
|
|||||
|
GERMANS JULES, LOUIS, ENRI
La següent generació, dençà els anys 30, va ser molt important fins als anys 60 i encara fins al seu tancament l’any 1977 mantenint el nom “Germans Seeberger”
La segona generació Retrat d'Albert i Jean Seeberger treballant amb una càmera de visió de gran format.
La mort de Julius en 1932 i després la declaració de guerra marquen la retirada final de Louis i Henry de l'negoci familiar, i un breu tancament durant la mobilització de guerra de la propera generació de Séebergers, Jean i Albert, els dos fills de Louis que van retenir el nom de "germans Seeberger" fins al seu tancament el 1977.
Van ser assistits per l'esposa de Jean, Suzanne (com a secretària) i després successivament per l'esposa d'Albert, Cecile (en l'edició), el fill de Jean, Daniel ( com a assistent), i diversos col·laboradors.
Després de la Segona Guerra Mundial, els germans van continuar amb la fotografia de moda com la seva especialitat, juntament amb alguns encàrrecs industrials, però amb un treball d'estudi cada vegada més gran amb models de moda pagats en un nou local, 112 boulevard Malesherbes (en el 17th Arr.). Encara que no estaven en l'avantguarda, van assimilar l'estil de Le Groupe donis XV, tipificat en el treball de Philippe Pottier, Pierre Jahan, René-Jacques i Lucien Lorelle.
La lleialtat familiar i la devoció a la fotografia van perdurar durant dues generacions ocupades; quan Jean va morir el 1979, Albert va escriure:
"No puc dir prou com admirava a aquell amb qui he treballat durant gairebé mig segle". |
1eres fotos en exteriors
Tot i exercir tots el gèneres fotogràfics més habituals, van destacar sobretot com a
Fotògrafs de moda
Mentre que revistes com Les Modes publicaven curosos retrats, la majoria acolorits a mà, de dones de l'alta societat amb vestits dissenyats per renombrados modistes, els diaris com Le Figaro i Le Gaulois publicaven fotografies en les seves últimes edicions preses, com la de Steichen, de dones. en els hipòdroms, i el seu enfocament va ser reprès per la revista Femina, en un esforç per satisfer la curiositat dels seus lectors sobre el que estava de moda a la 'roba real', una tendència que aviat va recollir Paris Illustré o La Nouvelle Mode que des 1901-1902 presentava instantànies preses per desconeguts aficionats Carle de Mazibourg o Edmond Cordonnier, encara que aviat van ser reemplaçades per imatges més professionals.
Els germans van seguir el calendari de la multitud mentre anaven als centres turístics de platja, d'esquí i altres llocs de moda a París. La seva presa eren fotografies de moda de dames (i també d'alguns homes), per a les quals van trobar un mercat llest a La Mode Practiqui des del 22 de maig de 1909 a endavant.
Per cert, encara que es van centrar en vestits, sabates, bosses, barrets, pells i plomes, també van capturar imatges d'una autèntica alta costura, una "alta societat 'normalment inaccessible per a aquells de la seva classe, els quals, encara que conscients en tot moment de la càmera i deixar-se fotografiar, només reconeixeria als pertanyents als grans estudis i certament no als Seeberger.
Estil i tècnica La fotografia de Seeberger implicava conèixer aquests models, mantenir-se a el dia amb les últimes tendències que probablement atraurien a les publicacions i una recerca esgotadora dels models adequats entre la multitud d'amants de les curses de moda, més encara quan les càmeres 'portàtils', fins al voltant de 1935 quan Henri va adoptar la Rolleiflex, eren l'enorme Ernemann Klapp Nettel plegable o la més enutjosa càmera rèflex Thornton Pickard de 13 x 18 cm, que van utilitzar al Bois de Boulogne ia Saint Moritz. En cada cas Henri acompanyava el seu germà Louis dirigint el model, portant un quadern per registrar els detalls de la moda, i passant diapositives fosques. Fins i tot en 1911, tot i la poca traça de la seva càmera, els Seeberger aconsegueixen, amb l'ajuda de models professionals a qui poden dirigir, transmetre una sensació d'immediatesa i aparent espontaneïtat. |
Dinamisme i espontaneïtat. Els fills van seguir la tradició
A partir de les seves imatges, ja que es va publicar immediatament en una llarga llista de més de 50 publicacions, els historiadors de la moda poden rastrejar la influència en l'estil dels grans dissenyadors Chanel, Paul Poiret, Jeanne Lanvin, Elsa Schiaparelli, Jean Patou, Robert Piguet, Madeleine Vionnet, Lucien Lelong et al., dels qui els Seeberger també van fer retrats.
No totes les seves matèries eren de les classes superiors. Les grans cases de Poiret, Lanvin, Worth o Patou contractaven models per a les seves esveltes figures i poses tutelades que s'agrupaven en massa a punt per ser vistes i fotografiades. Els modistes menors, o més nous, contractaven roba informal per hores i, sovint, els vestien amb els seus vestits més excèntrics per cridar l'atenció, mentre que alguns portaven les insígnies dels dissenyadors a l'esquena com a portadors de taules de emparedat mentre circulaven sols. Els barreters no dubtaven a lluir les seves pròpies creacions. Els "fashionables" eren una altra classe de model; personalitats conegudes com "amfibis", "genets" o "consultors de la societat" que, mentre va durar la seva fama, van lluir les últimes creacions dels grans dissenyadors que se'ls van vendre amb grans descomptes o prestades gratis.
La imatge francesa A més, les imatges de moda dels germans es van superposar amb la seva interpretació de celebritats dels mitjans com Joséphine Baker i Charlie Chaplin.
Una part menys coneguda de la seva pràctica, com va assenyalar Gilbert Salachas, des de 1923 International Kinema Research va emprar als germans Seeberger per documentar llocs que els cineastes van adaptar per crear la fórmula parisenca 'atmosfera' en escenaris de pel·lícules com la comèdia romàntica nord-americana de 1938 La vuitena dona de Barbablava i Una comèdia d'assassinats (Charles Chaplin, 1947) o fins i tot tan tardana com Un americà a París (Vincente Minelli, 1951), creant així un París mític que sobreviu al cinema fins i tot avui.
|
|||||
|
(Baró de Meyer)
El baró Adolph de Meyer (1 de setembre de 1868 [1] - 6 de gener de 1946) va ser un fotògraf famós pels seus retrats fotogràfics de principis de segle XX, molts dels quals mostraven a celebritats com Mary Pickford, Rita Lydig, Luisa Casati, Billie Burke, Irene Castle, John Barrymore, Lillian Gish, Ruth St. Denis, El Rei George V i la Reina Mary.
També va ser el primer fotògraf de moda oficial de la revista nord-americana Vogue, designat per a aquest lloc el 1913. |
De fotografiar l’aristocràcia a la fotografia de moda
Primeres fotos de moda en VOGUE (1914) Com a director artístic va donar importància a la IL·LUMINACIÓ del FONS
De 1898 a 1913, de Meyer va viure a l'elegant Cadogan Gardens, Londres. I de 1903 a 1907, el seu treball es va publicar en el treball trimestral Camera Work d'Alfred Stieglitz. Cecil Beaton el va anomenar "el Debussy de la fotografia". En 1912, va fotografiar a Nijinsky a París.
A l'esclatar la Primera Guerra Mundial, els De Meyer, que el 1916 van prendre els nous noms de Mahrah i Gayne, per consell d'un astròleg, es van traslladar a la ciutat de Nova York, on es va convertir en fotògraf de Vogue de 1913 a 1921, i per Vanity Fair.
En 1922, de Meyer va acceptar una oferta per convertir-se en el fotògraf cap de Harper 's Bazaar a París (L’estil “boirós” de Meyer va deixar d’agradar VOGUE i l’any 1923 es va passar a Harper’s Bazaar , i va passar els següents 16 anys allà)
La direcció artística de VOGUE a Nova York la va agafar Edward Steichen (d’estil més robust i seré)
|
En vigílies de la Segona Guerra Mundial el 1938, de Meyer va tornar als Estats Units. Avui, poques de les seves impressions sobreviuen, la majoria van ser destruïdes durant la Segona Guerra Mundial, però unes 52 fotografies d'Olga, empacades pel seu fill adoptiu Ernest, va sortir a la llum el 1988 i es va publicar el 1992.
Va morir a Los Angeles en l'aniversari de la mort de la seva esposa, el 6 de gener de 1946, sent registrat com 'Gayne Adolphus DEMEYER, escriptor (jubilat)', i va ser enterrat en Forest Lawn Memorial Park (Glendale), Glendale, Els Comtat d'Ángeles, Califòrnia. |
|||||
|
ANYS 30 |
|
|
|||||
|
https://www.harpersbazaar.com/
|
Dirigida per CARMEL SNOW amb direcció artística d’ALEXEY BRODOVITCH (mentor als anys 40 de Richard Avedon, instructor de Richard Avedon, Hiro, Garry Winogrand o Irving Penn.)
MARTIN MUNKACSI va establir les pautes del gènere
La velocitat de l'era moderna i l'emoció dels nous punts de vista fotogràfics el van captivar, especialment el vol. Hi ha fotografies aèries; hi ha fotografies aire-aire d'una escola de vol per a dones; hi ha fotografies d'un Zeppelin, incloses les del seu viatge a Brasil, on va sobrevolar un vaixell els passatgers del qual van saludar al dirigible de dalt. |
Van sentar les bases de la foto de moda moderna: ·Espontaneitat (instantànies) ·L’esport i la foto esportiva entren al món de la moda
En un canvi de la pràctica habitual, sovint deixava l'estudi per filmar a l'aire lliure, a la platja, en granges i camps, en un aeroport.
Va produir un dels primers articles en una revista popular il·lustrat amb fotografies de nus.
|
|||||
|
(nascut Mermelstein Márton; 18 de maig de 1896 - 13 de juliol de 1963) fotògraf hongarès que va treballar a Alemanya (1928–1934) i als Estats Units, on va estar establert a la ciutat de Nova York.
Munkacsi era periodista i fotògraf a Hongria, especialitzat en esports. En aquest moment, la fotografia d'acció esportiva només es podia fer amb llum brillant en exteriors.
La innovació de Munkacsi va ser fer fotografies esportives com fotografies d'acció meticulosament compostes, que requerien habilitats artístiques i tècniques.
Va morir el 13 de juliol de 1963
Munkácsi va morir en situació de pobresa i polèmica. Diverses universitats i museus es van negar a acceptar els seus arxius, i es van escampar pel món.
Els arxius Ullstein de Berlín i la col·lecció F. C. Gundlach d’Hamburg són dues de les col·leccions més grans de l’obra de Munkácsi.
|
El debut de Munkacsi es produiria en una baralla fatal, que va fotografiar. Aquestes fotos van afectar el resultat del judici de l'assassí acusat i li van donar a Munkacsi notorietat considerable. Aquesta notorietat el va ajudar a aconseguir un treball a Berlín el 1928, pel Berliner Illustrirte Zeitung, on la seva primera foto publicada va ser una motocicleta esquitxant el seu camí a través d'un toll. També va treballar per a la revista de moda Die Dame.
Més que esports i moda, va fotografiar als berlinesos, rics i pobres, en totes les seves activitats. Va viatjar a Turquia, Sicília, Egipte, Londres, Nova York i Libèria per difondre fotografies a Berliner Illustrirte Zeitung. [Cita requerida]
Munkacsi se'n va anar a la ciutat de Nova York, on va signar, per una quantitat substancial de $ 100,000, amb Harper 's Bazaar.
Va ser descobert per Carmel Snow, qui en 1933 el va convèncer de fotografiar l'editorial de vestits de bany "Palm Beach" de l'edició de desembre de Harper 's Bazaar. Per aquest editorial, va fer que la model Lucille Brokaw corregués cap a la càmera mentre ell fotografiava, que va ser la primera presa d'una model fotografiada en moviment. |
Munkacsi El 21 de març de 1933, va fotografiar el fatídic Dia de Potsdam, quan l'ancià president Paul von Hindenburg va lliurar Alemanya a Adolf Hitler. En assignació per Berliner Illustrirte Zeitung, va fotografiar el cercle íntim de Hitler, encara que era un estranger jueu.
El 1934, els nazis van nacionalitzar el Berliner Illustrirte Zeitung, van acomiadar al seu editor en cap jueu, Kurt Korff, i van reemplaçar la seva fotografia innovadora amb fotografies de tropes alemanyes.
Els retrats de Munkácsi inclouen Katharine Hepburn, Leslie Howard, Jean Harlow, Joan Crawford, Jane Russell, Louis Armstrong i la fotografia de ball definitiva de Fred Astaire. [Cita requerida]
|
|||||
|
Vogue va començar com a diari setmanal, publicat per primera vegada amb seu a la ciutat de Nova York el 1892 als Estats Units, abans de convertir-se en publicació mensual anys després.
El Vogue britànic va ser la primera edició internacional llançada el 1916, mentre que la versió italiana Vogue Italia ha estat anomenada la revista de moda més gran del món. A dia d’avui, hi ha 23 edicions internacionals. |
Horst Paul Albert Bohrmann (14 d'agost de 1906 - 19 de novembre de 1999), fotògraf alemany conegut per la seva fotografia de modes. Va emigrar d'Alemanya primer a París i posteriorment a Estats Units adoptant la nacionalitat nord-americana.
Des que en la seva adolescència va conèixer a Eva Weidemann a casa de la seva tia va mostrar interès per l'avantguarda, en conseqüència es va anar a estudiar a l'Escola d'Arts d'Hamburg i el 1930 a París amb Le Corbusier. Allí va conèixer a George Hoyningen- Huene que treballava en Vogue i amb ell va viatjar a Gran Bretanya on van entrar en contacte amb Cecil Beaton que preparava les seves fotos per a l'edició britànica de la revista. Al novembre de 1931 Horst va publicar per primera vegada en l'edició francesa de Vogue.
Va realitzar la seva primera exposició el 1932 al local La Plume d'Or de París i va tenir molt èxit fent famós a Horst després de la publicació de la crítica de Janet Flanner a The New Yorker. A partir d'aquest moment va realitzar nombrosos retrats entre els quals es poden destacar Bette Davis, Noel Coward, Yvonne Printemps, Lisa Fonssagrives, Natasha Paley, Cole Porter i Elsa Schiaparelli en el termini d'un parell d'anys. El 1937 es va traslladar a Nova York on va conèixer a Coco Chanel i es va convertir en el fotògraf de la firma de moda durant trenta anys.
Va realitzar la majoria del seu treball en blanc i negre, però es limitava a realitzar la presa de la fotografia encarregant altres persones del seu revelat, positivat, retoc i edició. Va realitzar també algunes fotografies en color, sobretot d'interiors; entre elles es troben interiors dissenyats per Robert Denning i Vincent Fourcade.
A partir de 1960 va realitzar una sèrie fotogràfica per Vogue sobre l'estil de vida dels membres de la classe alta internacional, amb textos escrits pel seu company Valentine Lawford que era un diplomàtic anglès.
|
MAN RAY i la seva influència
L’avantguarda va estar sempre present a l’estètica de les seves imatges.
És molt conegut per la seva fotografia de moda encara que també per les seves fotografies d'arquitectura, interiors i natures mortes amb plantes.
És el creador d'algunes de les imatges més famoses i reconeixibles de l'estil Art Decó, com la seva fotografia titulada The Mainbocher Corset, que és considerada una icona fotográfica.
En la seva obra es nota amb freqüència la influència del surrealisme i dels ideals de bellesa en el classicisme grec.
En la seva obra s'observa una gran planificació de les escenes i una utilització particular de la il·luminació, així en la majoria dels casos emprava quatre focus estant un d'ells apuntant cap avall des del sostre.
En el retrat fet a Marlene Dietrich en 1942 ella va protestar per la il·luminació que tenia al fer la fotografia, però li va agradar el resultat final i va fer servir aquesta foto per la seva pròpia publicitat.
Horst Paul Albert Bohrmann El 1943 va adoptar la nacionalitat nord-americana i va prendre el nom legal de Horst P. Horst per tal de no tenir semblant el nom amb Martin Bormann. A l'enrolar-se en l'exèrcit va estar treballant com a fotògraf i la major part de la seva obra va aparèixer en la revista Belvoir Castle i en acabar la guerra va fer un retrat de Harry S. Truman i es va convertir en fotògraf de les diferents primeres dames durant la postguerra. El 1947 es va traslladar a una casa a Oyster Bay.
Va morir a la seva casa de Palm Beach Gardens el 19 de novembre de 1999
|
|||||
|
INTERLUDI DE LA GUERRA |
Va implicar un esperit pràctic |
|
|||||
|
Va agafar aquest esperit i el va mesclar amb altres elements editorials: |
CONSELLS DE MODA SUGERÈNCIES |
||||||
|
ANYS 40 |
|
|
|||||
|
La dinastia de Séeberger, coneguda com a Frères Séeberger; tres germans Jules (1872–1932), Henri (1876-1956) i Louis (1874-1946), fills de Jean (1910-1979) i Albert (1914-1999), van ser pioners en la fotografia de moda a França, a partir del segle XX.
|
SEGONA GENERACIÓ (veure apartat precedent)
|
|
|||||
|
EL SEU MENTOR VA SER BRODOVITCH (mentor als anys 40 de Richard Avedon, instructor de Richard Avedon, Hiro, Garry Winogrand o Irving Penn.)
|
Richard Avedon | Vogue
|
||||||
|
ANYS 40 / 50 |
NOVA YORK |
CAPITAL DE LA FOTOGRAFIA DE MODA |
|||||
|
1943: IRVING PENN |
Després d’anys a Harper’s Bazaar es va passar a VOGUE a través del director artístic ALEXANDER LIEVERMANN |
· Composicions personals. · Roba més evocada que representada. · Siluetes perfilades i precises accentuen les línies.
HERB RITTS EVOCÀ AQUEST ESTIL ELS ANYS 70 / 80 |
|||||
|
Després d'assistir durant un temps a la Universitat de Columbia, va començar la seva carrera com a fotògraf, treballant per la Marina Mercant en 1942, prenent fotografies identificatives dels membres de les tripulacions.
Aquestes fotografies les va realitzar amb una càmera Rolleiflex que li havia donat el seu pare com a regal de comiat.
De 1944 a 1950, va estudiar amb Alexey Brodovitch en el seu laboratori a la New School for Social Research.
Avedon va néixer a la ciutat de Nova York en una família jueva. El seu pare, Jacob Israel Avedon, era un immigrant nascut a Rússia que va passar d'un treball servil a iniciar el seu propi negoci de venda al detall a la Cinquena Avinguda anomenat Cinquena Avinguda de Avedon. |
La seva mare, Anna, d'una família que era propietària d'un negoci de fabricació de vestits, va encoratjar l'amor de Richard per la moda i l'art. L'interès d'Avedon per la fotografia va sorgir quan, als 12 anys, es va unir al Club de Cambra de l'Associació Hebrea d'Homes Joves (YMHA). Faria servir la Kodak Box Brownie de la seva família no només per alimentar la seva curiositat pel món, sinó també per retirar-se de la seva vida personal. El seu pare era un disciplinari crític i remot, que insistia que la força física, l'educació i els diners preparaven a un per a la vida. La primera musa del fotògraf va ser la seva germana petita, Louise. Durant la seva adolescència, va lluitar pel tractament psiquiàtric, i finalment es va allunyar cada vegada més de la realitat i se li va diagnosticar esquizofrènia. Aquestes primeres influències de la moda i la família donarien forma a la vida i la carrera d'Avedon, sovint expressades en el seu desig de capturar la bellesa tràgica en fotos.
Avedon va assistir a l'escola secundària DeWitt Clinton a Bedford Park, Bronx, on des de 1937 fins 1940 va treballar en el diari escolar, The Magpie, amb James Baldwin. Quan era adolescent, també va guanyar un premi Escolar Art and Writing. Després de graduar el DeWitt Clinton aquest any, es va matricular a la Universitat de Columbia per estudiar filosofia i poesia, però es va retirar després d'un any. Després va començar com a fotògraf per als Marines Mercants, fent fotos d'identificació dels tripulants amb la càmera Rolleiflex que li havia donat el seu pare. De 1944 a 1950, Avedon va estudiar fotografia amb Alexey Brodovitch en el seu Laboratori de Disseny a The New School for Social Research. |
El 1944, Avedon va començar a treballar com a fotògraf publicitari per a una botiga departamental, però ràpidament va ser recolzat per Alexey Brodovitch, qui era director d'art de la revista de moda Harper's Bazaar. Lillian Bassman també va promoure la carrera d'Avedon a Harper's. El 1945, les seves fotografies van començar a aparèixer en Junior Bazaar i, un any després, en Harper 's Bazaar.
En 1946, Avedon havia creat el seu propi estudi i va començar a proporcionar imatges per a revistes com Vogue i Life.
Aviat es va convertir en el fotògraf principal de Harper's Bazaar.
A partir de 1950, també va contribuir amb fotografies a Life, Look i Graphis i el 1952 es va convertir en editor de plantilla i fotògraf de Theatre Arts Magazine. Avedon no s'ajusta a la tècnica estàndard de prendre fotografies de moda d'estudi, on les models romanien sense emocions i aparentment indiferents a la càmera.
En canvi, Avedon va mostrar models plenes d'emoció, somrient, rient i, moltes vegades, en acció en escenaris a l'aire lliure, el que va ser revolucionari en aquell moment. No obstant això, cap a fins de la dècada de 1950, es va sentir insatisfet amb la fotografia a la llum del dia i llocs a l'aire lliure, pel que va recórrer a la fotografia d'estudi, utilitzant il·luminació estroboscòpica. |
|||||
|
ANYS 50 / 60 / 70
Avedon sempre va estar interessat en com el retrat captura la personalitat i l'ànima del seu tema. A mesura que la seva reputació com a fotògraf es va fer àmpliament coneguda, va fotografiar a moltes persones destacades en el seu estudi amb una càmera de visió de gran format de 8 × 10. Els seus temes inclouen a Buster Keaton, Marian Anderson, Marilyn Monroe, Ezra Pound, Isak Dinesen, Dwight D. Eisenhower, Andy Warhol i els Set de Chicago. [11] Els seus retrats es distingeixen pel seu estil minimalista, en què la persona mira directament a la càmera, posada davant d'un fons blanc pur. [Cita requerida] A l'eliminar l'ús de llums suaus i accessoris, Avedon va poder enfocar-se en l'interior mons dels seus subjectes que evoquen emocions i reaccions. [5] En ocasions, evocava reaccions dels subjectes dels seus retrats guiant-los cap a àrees incòmodes de discussió o fent-los preguntes psicològiques. A través d'aquests mitjans, produïa imatges que revelaven aspectes de l'caràcter i la personalitat del seu subjecte que normalment no captaven altres.
|
A més del seu treball continu en la moda, en la dècada de 1960 Avedon estava fent retrats d'estudi de treballadors de drets civils, polítics i dissidents culturals de diverses tendències en una Amèrica esquerdada per la discòrdia i la violència.
Es va diversificar per fotografiar pacients d'hospitals psiquiàtrics, el Moviment de Drets Civils en 1963, els manifestants de la Guerra del Vietnam i més tard la caiguda de l'Mur de Berlín.
Avedon va treballar per primera vegada amb Brooke Shields el 1974 per a un anunci de pasta de dents de Colgate. Li va disparar per Versace, 12 portades d'American Vogue i la campanya Most Unforgettable Women de Revlon.
Els retrats de grup d'Avedon presentaven figures emblemàtiques: Andy Warhol amb els actors i estrelles de The Factory; Els Set de Chicago, radicals polítics acusats de conspiració per incitar disturbis a la Convenció Nacional Demòcrata de 1968; el poeta Beat Allen Ginsberg i la seva extensa família; i el Mission Council, un grup d'oficials militars i governamentals que van governar la participació dels Estats Units en la Guerra de Vietnam. |
Contínua influència de RICHARD AVEDON
Quan Diana Vreeland va deixar Harper 's Bazaar per Vogue el 1962, Avedon es va introduir com a fotògraf de plantilla.
Es va convertir en el fotògraf principal de Vogue i va fotografiar la majoria de les portades des de 1973 fins que Anna Wintour es va convertir en editora en cap a fins de 1988.
Un llibre personal anomenat "Nothing Personal", amb un text del seu company de classe James Baldwin, va aparèixer en 1964. Durant aquest període, Avedon també va crear dos coneguts conjunts de retrats de The Beatles. La primera, presa a mitjans o finals de 1967, va esdevenir una de les primeres sèries importants de cartells de rock, i va consistir en cinc retrats psicodèlics del grup: 4 retrats individuals a color fortament solaritzats i un retrat grupal en blanc i negre près amb una càmera Rolleiflex i una lent planar normal.
L'any següent, va fotografiar els retrats molt més moderats que es van incloure amb The Beatles LP en 1968.
Entre les moltes altres bandes de rock fotografiades per Avedon, el 1973, va fotografiar l’Electric Light Orchestra amb tots els membres exposant les seves melics per gravar On the Third Day.
|
|||||
|
El 1946, Newton va establir un estudi a la moda Flinders Lane a Melbourne i va treballar en moda, teatre i fotografia industrial en els anys afluents de la postguerra.
Va compartir la seva primera exposició conjunta el maig de 1953 amb Wolfgang Sievers, un refugiat alemany com ell, que també havia servit a la mateixa companyia. L’exposició de “New Visions in Photography” es va mostrar al Federal Hotel de Collins Street i va ser probablement la primera visió de la fotografia de New Objectivity a Austràlia. Newton es va associar amb Henry Talbot, un altre jueu alemany que també havia estat internat a Tatura, i la seva associació amb l'estudi va continuar fins i tot després de 1957, quan va marxar d'Austràlia cap a Londres. L’estudi va rebre el nom de “Helmut Newton i Henry Talbot”.
Conceptes formals i temàtics que desenboquen en la fotografia dels anys 70: |
Exemple de fotògraf que trascendeix el seu camp Luxe, desig, sexe, diners, poder
Fotògraf alemany-australià. Va ser un fotògraf de moda prolífic i àmpliament imitat, les fotografies provocatives, carregades eròticament en blanc i negre, eren un punt fort de Vogue i d'altres publicacions.
Cap als anys cinquanta: a Londres, Europa, i un retorn a Austràlia
La creixent reputació de Newton com a fotògraf de moda va ser recompensada quan va aconseguir una comissió per il·lustrar modes en un suplement especial australià de la revista Vogue, publicat el gener de 1956.
Va guanyar un contracte de 12 mesos amb British Vogue i va marxar a Londres el febrer de 1957, deixant Talbot per gestionar el negoci.
Newton va deixar la revista abans de finalitzar el seu contracte i va anar a París, on va treballar per a revistes franceses i alemanyes. Va tornar a Melbourne el març de 1959 amb un contracte per a la Vogue australiana.
1961: a París
Newton i la seva dona finalment es van establir a París el 1961 i el treball va continuar com a fotògraf de moda. Les seves imatges van aparèixer en revistes incloent l'edició francesa de Vogue i Harper's Bazaar.
Va establir un estil particular marcat per escenes eròtiques i estilitzades, sovint amb subtextos sadomasoquistes i fetitxistes.
|
INSPIRAT PEL CINEMA I ELS PAPARAZZI
Un atac a el cor en 1970 va reduir la producció de Newton, però, l'alè de la seva esposa va fer que el seu perfil continués expandint-se, especialment amb un gran èxit, la infinitat de la sèrie "Big Nudes" de 1980 enfocat a l'estudi.
El seu portafoli de "Nus i vestits" va seguir i el 1992 "Nus domèstics", que va marcar el pinacle del seu estil eròtic-urbà, totes aquestes sèries recolzades per la destresa de les seves habilitats tècniques. Newton també va treballar en retrats i estudis més fantàstics.
Newton va prendre diverses fotografies per a Playboy, incloses fotografies de Nastassja Kinski i Kristine DeBell.
Les còpies originals de les fotografies de la seva sessió fotogràfica de DeBell d'agost de 1976, "200 motels, o com vaig passar les meves vacances d'estiu" van ser venudes en subhastes d'arxius de Playboy per Bonhams en 2002 per $ 21,075, i per Christie 's al desembre de 2003 per $ 26,290.
|
|||||
|
(2 de desembre de 1928 - 29 de març de 1991), va ser un artista i fotògraf de moda francès conegut per les seves provocatives imatges.
Des de 1955, Bourdin va treballar principalment amb Vogue i altres publicacions, inclòs Harper 's Bazaar. Va realitzar campanyes publicitàries per Chanel, Charles Jourdan, Pentax i Bloomingdale 's.
El seu treball és recopilat per importants institucions com la Tate de Londres, MoMA, el Museu d'Art Modern de San Francisco i el Museu Getty.
La primera exposició retrospectiva del seu treball es va dur a terme al Victoria & Albert Museum de Londres el 2003, i després va realitzar una gira per la National Gallery of Victoria a Melbourne, Austràlia, i la Galerie nationale du Jeu de Paume a París.
La Tate exhibeix permanentment una part de la seva col·lecció (una de les més grans) amb obres realitzades entre 1950 i 1955. [2]
Està considerat com un dels fotògrafs de moda i publicitat més coneguts de la segona meitat de segle XX.
Va preparar l'escenari per a un nou tipus de fotografia de moda. Mentre que les imatges de moda convencionals fan de la bellesa i la roba els seus elements centrals, les fotografies de Bourdin ofereixen una alternativa radical.
|
(70s / 80s) La seva campanya de SABATES (Charles JOURDAN) marca un moment d’inflexió
Jourdan i els seus fills van obrir la seva primera boutique a París el 1957, tot i que la seu de l'empresa va romandre en Romans. Se'ls va concedir una llicència per dissenyar i fabricar sabates sota la marca Christian Dior el 1959 i en anys més recents també han creat dissenys sota l'etiqueta Pierre Cardin.
La companyia s'ha centrat durant molts anys a ser vista com marcant tendències i innovant en el disseny de moda, i es pot debatre si Herbert Levine i Beth Levine van inspirar aquesta innovació o van aprendre d'ella; totes dues poden ser certes. Jourdan i els Levines són possiblement els dissenyadors més innovadors en utilitzar nous materials en sabates de dona en el període des de la Segona Guerra Mundial.
En la dècada de 1960 i principis de la de 1970, Jourdan va utilitzar les seves campanyes publicitàries en revistes per promoure la seva imatge d'avantguarda utilitzant imatges de Guy Bourdin.
El 1975, la roba de prêt-à-porter i les bosses es van agregar a la línia Jourdan, encara que l'empresa segueix sent més coneguda per les seves sabates.
Un editor de la revista Vogue va presentar a Bourdin al dissenyador de sabates Charles Jourdan, que en va ser el seu patrocinador, i Bourdin va fotografiarr les campanyes publicitàries de Jourdan entre 1967 i 1981.
Les seves extravagants composicions antropomòrfiques, anuncis d’intricada posada en escena, van ser reconeguts com clarament Bourdinesos i sempre van ser segits amb entusiasme pels mitjans.
Bourdin es va introduir per primera vegada en la fotografia durant el seu servei en la Força Aèria.
Estacionat a Dakar (1948-1949), va rebre la seva formació fotogràfica inicial, treballant com a fotògraf aeri.
Bourdin va fer la seva primera exposició de dibuixos i pintures a Galerie, Rue de la Bourgogne, París. La seva primera exposició fotogràfica va ser en 1953. Va exposar sota el pseudònim de "Edwin Troben" en els seus inicis de carrera.
Les seves primeres fotografies de moda es van publicar en l'edició de febrer de 1955 de Vogue Paris. Com contemporani de Helmut Newton, qui també va treballar extensament per Vogue, Bourdin va ajudar a establir el que és la fotografia contemporània a l'actualitat.
Newton va observar: "Entre ell i jo, la revista es va tornar bastant irresistible de moltes maneres i ens complementem. Si ell hagués estat sol o jo sol, no hauria funcionat".
Va continuar treballant per a la revista fins a 1987. |
INFLUÈNCIES:
SURREALISME Man Ray
· Fotografia forense · Composicions arriscades · El maquillatge com a forma d’expressió
El 1985, Bourdin va rebutjar el Grand Prix National de la Photographie, atorgat pel Ministeri de Cultura francès, però el seu nom es conserva a la llista de guanyadors de el premi.
Va morir de càncer el 1991. Segons Manolo Blahnik, el llegat creatiu de Bourdin és tan immens que les seves sabates mai seran ocupats per un altre.
estil
Guy Bourdin va ser un dels primers a imaginar fotografies de moda que contenien narratives fascinants, efectes dramàtics amb intensa saturació de color, hiperrealisme i composicions retallades al temps que va establir la idea que el producte és secundari a la imatge.
Les fotografies de Bourdin són sovint ricament sensuals, però també depenen en gran mesura de la provocació i la capacitat de commocionar.
Bourdin va configurar un vocabulari visual completament nou amb el qual associar els béns de l'alta costura.
Les narracions eren estranyes i misterioses, inspirades en la literatura, el cinema i la història de l'art.
Evident a través d'una lectura astuta de la seva presentació compositiva i temàtica, Bourdin es va beneficiar de la influència d'una col·lecció diversa de contemporanis: en primer lloc, el seu mentor Man Ray, però també el fotògraf Edward Weston, els pintors surrealistes Magritte i Balthus, i el cineasta surrealista espanyol Luis Buñuel.
Quan va tornar a París després del seu servei com a fotògraf aeri, es va mantenir amb un seguit de treballs servils, fins i tot com a venedor de lents de càmera i també va continuar pintant, dibuixant i prenent fotografies.
Durant aquest temps va exposar alguns dels seus dibuixos i el 1950 va buscar la tutoria de l'expatriat nord-americà i prodigiós surrealista Man Ray.
Bourdin va ser allunyat de la porta de Man Ray sis vegades per la seva esposa i en la setena finalment va aconseguir guanyar-se la companyia de l'artista quan el mateix Man Ray va obrir la porta i va convidar Bourdin a entrar.
Bourdin efectivament havia aconseguit guanyar-se la confiança de Man Ray, qui més tard va escriure el catàleg de la primera exposició de Bourdin en 1952 després d'acceptar-lo com a protegit.
|
|||||
|
ANYS 80 |
NOU FENÒMEN: MODELS ELEVADES AL SEU PROPI STAR-SYSTEM: TOP MODELS A Continua influència de RICHARD AVEDONVEDON Entre les seves sèries d'anuncis de moda destaquen les assignacions recurrents de Gianni Versace, començant amb la campanya primavera / estiu de 1980. També va fotografiar la campanya de Calvin Klein Jeans amb Brooke Shields de quinze anys, a més de dirigir-la en els comercials de televisió que l'acompanyen. Avedon va treballar per primera vegada amb Shields el 1974 per a un anunci de pasta de dents de Colgate. Li va disparar per Versace, 12 portades d'American Vogue i la campanya Most Unforgettable Women de Revlon. [Cita requerida] En el número d'el 9 de febrer de 1981, de Newsweek, Avedon va dir que "Brooke és un parallamps. Ella concentra la ràbia inarticulada que sent la gent el declivi de la moral contemporània i la destrucció de la innocència al món ". |
Continua influència de RICHARD AVEDON A l'treballar amb Avedon, Shields va dir a la revista Interview al maig de 1992: "Quan Dick entra a l'habitació, molta gent se sent intimidada. Però quan treballa, és summament creatiu, tan sensible. I no li agrada que algú més està al voltant o parlant. Hi ha una vulnerabilitat mútua i un moment de fusió quan fa clic a l'obturador. o ho entens o no ".
El 1982, Avedon va produir una sèrie d'anuncis divertits i enginyosos per a la marca de moda Christian Dior, basada en la idea d'imatges fixes de pel·lícules. Amb el director Andre Gregory, el fotògraf Vincent Vallarino i la model / actriu Kelly Le Brock, les fotografies en color pretenien mostrar les entremaliadures salvatges d'una "família Dior" fictícia que viu un ménage à trois amb roba elegant.
|
|||||
|
(Nascuda el 17 de gener de 1954) fotògrafa i directora alemanya.
Va treballar com a model de moda durant deu anys abans de convertir-se en fotògrafa, i ara fa fotografies de moda, editorials i publicitàries.
En una entrevista de 2018 amb Harper 's Bazaar, va explicar el seu enfocament feminista de la fotografia:
"Les dones en les meves fotos són sempre fortas, fins i tot si també són sexis. Les meves dones sempre es veuen segures de si mateixes. Intento que es vegin tan boniques com poden perquè totes les dones es volen sentir belles, sexy i poderoses. Això és el que intento fer".
Ellen von Unwerth | Vogue
|
Llançada (amb Claudia Schiffer) amb la campanya de texans “GUESS”
El primer treball notable de Von Unwerth va ser quan va fotografiar per primera vegada a Claudia Schiffer en 1989.
El seu treball ha estat publicat a Vogue, Vanity Fair, Interview, The Face, Sorra, Twill, L'uomo Vogue, ID, i Playboy, i ha publicat diversos llibres de fotografia.
Von Unwerth va fer fotografies promocionals per a Duran Duran de 1994 a 1997 i va fer algunes fotografies per al seu àlbum Liberty de 1990 i l'àlbum Medazzaland de 1997. El seu treball s'ha utilitzat en altres portades d'àlbums com Pop Life de Bananarama (1991), A Woman and a Man (1996) de Belinda Carlisle, Am I the Kinda Girl? de Cathy Dennis (1996), The Velvet Rope (1997) de Janet Jackson, All Saints 'Saints & Sinners (2000), Life for Rent, de Dido (2003), Britney Spears 'Blackout (2007), Christina Aguilera: Back To Basics (2006) i Keeps Gettin Millor: una dècada d'èxits i la qualificació R de Rihanna i Talk That Talk. També va filmar la portada d'l'àlbum Live Through This (1994) d'Hole.
|
Von Unwerth ha dirigit curtmetratges per a dissenyadors de moda, i vídeos musicals per a diversos músics pop. Ha dirigit comercials i pel·lícules web per Revlon, Clinique, L'Oreal i Equinox.
Mostra a les dones de formes atractives sense objectivar. En una entrevista amb V Magazine, va dir: "Mai forço les dones a fer res, però els dono rols que exercir perquè estiguin sempre actives i apoderades”. |
|||||
|
(Le Havre, França, 21 d agost de 1943) fotògraf de modes francès.
Demarchelier ha viscut a la ciutat de Nova York des de 1975.
A més de les editorials, Demarchelier ha participat en diverses campanyes publicitàries, com la del xampú Farrah Fawcett el 1978 i la de la nina Brooke Shields el 1982. A més va ser el fotògraf principal del llibre On your own, una guia de bellesa dirigida a dones joves escrita també per Shields.
|
Simbolitza TENDÈNCIES ACTUALS Marca el camí cap als anys noranta
Des de finals dels anys 1970, les seves fotografies han adornat la portada d'importants revistes de moda, incloent Vogue en les seves edicions francesa, britànica i nord-americana. També ha col·laborat amb les revistes Rolling Stone, Glamour, Life, Newsweek i Elle.
Va ser el fotògraf oficial de la princesa Diana, després de retratar-la per primera vegada el 1989. A més, va ser el primer fotògraf estranger a retratar a la Família Reial Britànica.
Entre els anys 1992 i 2004, va ser el fotògraf principal de la revista Harper 's Bazaar.
|
· Èmfasi en les models · Simplicitat compositiva
Demarchelier va ser l'encarregat de retratar a diverses models per al calendari Pirelli al 2005.
A l'any següent, va ser esmentat en la pel·lícula El diable es vesteix de Prada.
El 13 d'octubre de 2010, el reality show America 's Next Top Model va tenir un episodi amb el seu nom i va ser convidat especial com a fotògraf de la temporada |
|||||
|
|
|
||||||
|
(nascut Peter Brodbeck; 23 novembre 1944 - 3 setembre de al 2019) va ser un fotògraf de moda i director de cinema alemany.
Hi havia estudiat arts a Berlín i Krefeld i va exposar les seves obres abans de graduar-se. El 1971 es va dedicar a la fotografia i va treballar per a la revista Stern.
En fotografia de moda, va interpretar a les models Linda Evangelista, Naomi Campbell, Tatjana Patitz, Cindy Crawford i Christy Turlington juntes per a la portada de Vogue britànica de gener de 1990, començant una era de supermodels. Va fotografiar dues vegades el Calendari Pirelli, va fer diverses pel·lícules i va crear portades de música, com Foreign Affair de Tina Turner, The Globe Sessions de Sheryl Crow i I Am ... Sasha Fierce de Beyoncé.
El seu treball s'ha presentat en exposicions internacionals.
Lindbergh va fotografiar el pòster de la pel·lícula de Tony Scott The Hunger (1983) amb David Bowie, Susan Sarandon i Catherine Deneuve, i la portada de l'àlbum per a la banda sonora, el pòster de la pel·lícula de Pedro Almodóvar “Hable con ella” (2002) i també el documental The Look (2011) de Charlotte Rampling.
Lindbergh va preferir la fotografia en blanc i negre i va assenyalar el 2014: "Aquesta hauria de ser la responsabilitat dels fotògrafs d'avui dia: alliberar les dones, i finalment a tots, del terror de la joventut i la perfecció".
Les vastes platges i els entorns industrials de la seva ciutat natal, Duisburg, van influir fortament en el seu treball al llarg dels anys. A principis de la dècada de 1960 es va traslladar a Lucerna i mesos després a Berlín, on es va matricular a l'Acadèmia de Belles Arts de Berlín. Va fer autoestop fins a Arles seguint els passos del seu ídol, Vincent van Gogh. Lindbergh va recordar aquests anys: "Vaig preferir buscar activament les inspiracions de Van Gogh, el meu ídol, en lloc de pintar els retrats i paisatges obligatoris que s'ensenyen a les escoles d'art". Després de diversos mesos a Arles, va prosseguir fins a Espanya i el Marroc, un viatge que el va portar dos anys.
|
En 2016, Lindbergh va declarar que "Un fotògraf de moda ha de contribuir a definint la imatge de la dona o home contemporani en el seu temps, per reflectir una determinada realitat social o humana. Què tan surrealista és l'agenda comercial d'avui per retocar tots els signes de la vida i de l'experiència, per retocar la veritat molt personal de l'propi rostre? "
La periodista Suzy Menkes va escriure: "Negar-se a inclinar-se davant la brillant perfecció és la marca registrada de Peter Lindbergh: l'essència de les imatges que miren l'ànima sense adorns de cada persona, per familiar o famosa que sigui la model".
El 1989, Linda Evangelista, Naomi Campbell, Tatjana Patitz, Cindy Crawford i Christy Turlington, joves models llavors, van ser fotografiades juntes per primera vegada per ell per a la portada de Vogue britànica de gener de 1990. Això ha estat reconegut com l'inici de l'era de les supermodels. La seva portada va inspirar al cantant George Michael a incloure les seves models en el vídeo de la seva cançó "Freedom '90".
Gairebé a el mateix temps, el dissenyador de moda italià Gianni Versace va presentar a les noves supermodels que havien aparegut dos anys abans en les fotografies de Lindbergh, per la seva desfilada de moda Tardor-Hivern 1991. En una entrevista de 2008 amb la historiadora de l'art Charlotte Cotton, ell va explicar:
L'ús de fotografies en blanc i negre va ser realment important per crear la supermodel. Cada vegada que intentava fotografiar en color, perquè la seva bellesa era a prop de la perfecció, acabava semblant un mal anunci de cosmètics. Amb blanc i negre, realment pots veure qui són. Atenuar la interpretació comercial que dóna el color. El sorprenent del blanc i negre és com realment ajuda a què es transmeti el sentit de la realitat.
De retorn a Alemanya, va estudiar art abstracte a la Kunsthochschule (Facultat d'Art) a Krefeld, Renània de Nord-Westfàlia, amb Günther C. Kirchberger. Influenciat per Joseph Kosuth i el moviment de l'art conceptual, va ser convidat a 1969, abans de graduar-se, per presentar la seva obra a l'avantguardista Galerie Denise René. Aquestes obres es van exhibir a l'exposició Objets lúdiques al Museu Tinguely de Basilea en 2014. Després de mudar-se a Düsseldorf el 1971, va centrar la seva atenció en la fotografia i va treballar durant dos anys ajudant a l'fotògraf alemany Hans Lux, abans d'obrir el seu propi estudi el 1973. Fent-se molt conegut al seu país natal, es va unir a la família de la revista Stern juntament amb els fotògrafs Helmut Newton, Guy Bourdin i Hans Feurer.
|
El primer llibre de Lindbergh, 10 Women (1996) havia venut més de 100.000 còpies fins 2008.
Va fotografiar dues vegades el calendari Pirelli, el 1996 i 2002. Aquest últim, que va utilitzar actrius en lloc de models per primera vegada, es va fotografiar a la part posterior dels estudis Paramount, i va ser descrit per la crítica d'art Germaine Greer com "El calendari Pirelli més desafiant fins ara". Lindbergh va ser el primer fotògraf en els cinquanta anys d'història del calendari Pirelli a ser convidat a fotografiar per tercera vegada (per a l'edició de 2017).
Lindbergh va col·laborar en dos nombres complets de Vogue fotografiats per ell i el seu assistent, Jethro Gaines de J.Gaines Studio, un per celebrar el 30 aniversari de Vogue Alemanya a l'octubre de 2009, i l'altre per a Vogue Espanya al desembre de 2010.
Pel·lícules Lindbergh va dirigir una sèrie de pel·lícules i documentals. Models, The Film (1991) va ser filmada a Nova York i protagonitzada per Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Naomi Campbell, Cindy Crawford i Stephanie Seymour. Inner Voices (1999) va ser un documental de drama que examina l'autoexpressió en el mètode d'actuació de Lee Strasberg. Va guanyar el premi a el Millor Documental al Festival Internacional de Cinema de Toronto (TIFF) en 2000. Pina Bausch, Der Fensterputzer (2002) va ser una pel·lícula experimental sobre la seva amiga Pina Bausch. Everywhere at Onze (2008) va ser dirigida per Lindbergh i Holly Fisher. Narrada per Jeanne Moreau, la pel·lícula consisteix en fotografies de Lindbergh re-filmades, moltes d'elles inèdites, entreteixides amb extractes de la pel·lícula Mademoiselle de Tony Richardson. Va tenir la seva estrena mundial al Festival de Cinema de Tribeca a Nova York el 2008, després de l'estrena d'Avant al Festival de Cinema de Canes el 2007. Peter Lindbergh - Women 's Stories (2019) va ser dirigida per Jean-Michel Vecchiet. És un documental sobre la vida de Lindbergh i també presenta la seva primera dona, Astrid Lindbergh.
música Lindbergh va fotografiar moltes portades de discos musicals, entre ells el senzill "Quoi" de Jane Birkin (1985); El senzill de Tina Turner "Foreign Affair" (1990) i l'àlbum Foreign Affair (1989), [31] i el videoclip de l'senzill de Turner "Missing You". Lindbergh va filmar portades per a The Globe Sessions (1998) de Sheryl Crow i l'àlbum de Beyoncé I Am ... Sasha Fierce (2008). Va dirigir el videoclip del senzill de Lionel Richie "The Last Party" |
|||||
|
ANYS 90 |
MULTIMÈDIA |
Continua influència de RICHARD AVEDON |
|||||
|
Jean-Baptiste Mondino (n. Aubervilliers, França; 1949) és un fotògraf de modes i director de vídeos musicals francès.
Ha dirigit vídeos per a Madonna, David Bowie, Sting, Chris Isaak i Björk, entre d'altres. El vídeo de la cançó «The boys of summer», de Don Henley, va guanyar quatre premis MTV Video Music Awards el 1985, en les categories Millor Video, Millor Direcció, Millor Direcció d'Art i Millor Cinematografia.
SEGUIT PER: |
Va començar la seva carrera en els anys 1970, com a director artístic en l'agència de publicitat francesaPublicis. Al començament dels 1980, va començar a dissenyar caràtules d'àlbums musicals al costat del seu amic Gerard Rufin.
A més de les editorials de moda, Mondino ha fotografiat campanyes publicitàries per a diverses marques, com Kodak, Visa, Peugeot, Citroën i Lavazza, sent en aquesta última l'encarregat de l'calendari de l'any 2003.1 2
|
També s’ha introduït activament en la música, com disc jockey i com a compositor. El 1983 va llançar el senzill "Li danse de mots", el vídeo va dirigir ell mateix. Dos anys més tard, va publicar el senzill "Petit tout petit" amb la col·laboració de M. Gay i Jean-Marie Salaun.
En 1985 va ser nominat a el premi César, 4 a la categoria "Millor pel·lícula publicitària", per la campanya Maggi: Chinoise. El 1987 va rebre el premi 7 d'OR Night4 pel comercial Kodak: Les voleurs de Couleurs.
El 1989 va fundar la companyia productora Bandits. Deu anys després, va publicar el seu primer llibre, Déjà Vu.5 El 2003 va editar Two Much6 i més tard, el 2006, va publicar Guitar Eros |
|||||
|
Mario Eduardo Testino Silva (Lima, Perú, 30 d octubre de 1954) fotògraf de moda peruà, actualment establert a Londres, Anglaterra
Nascut en el si d'una família de classe alta, va ingressar a la Universitat de el Pacífic per estudiar Economia, després a la Pontifícia Universitat Catòlica de Perú a estudiar Dret, i posteriorment a la Universitat de San Diego, Califòrnia, on va estudiar Relacions Internacionals.
El 1976 es va mudar a Londres, Anglaterra, després d'ocupar un pis a Chelsea, va llogar una habitació a l'abandonat Charing Cross Hospital. En aquesta ciutat és on va començar a aprendre sobre fotografia. La seva carrera al món de la moda va tenir començaments humils: venia portafolis a aspirants a model per la suma de 25 lliures esterlines, incloent maquillatge i perruqueria.
El 2012 va fundar el Centre Cultural MAT a Barranco, Lima, dedicat a la professió de la Fotografia.
En 2014 és condecorat per la Corona britànica amb l'Ordre de l'Imperi Britànic per les seves "aportacions en la fotografia i el bé social" |
MÉS “NEOCLÀSSIC” QUE MONDINO
Moltes revistes de moda, com Vogue o Vanity Fair, han sol·licitat els seus serveis per adornar les seves pàgines.
Davant el lent de Testino han posat moltes celebritats i models famoses, incloent: Taylor Swift, Cara Delevingne, Kendall Jenner, Gigi Hadid, Lily Aldridge, Lady Gaga, Rihanna, Miley Cyrus, Gisele Bündchen, Coco Rocha, Candice Swanepoel, Kate Winslet, Kim Basinger, Dua Lipa, Jennifer Lopez, Gwen Stefani, Naomi Campbell, Christina Aguilera, Cameron Diaz, Elizabeth Hurley, Janet Jackson, Nicole Kidman, Britney Spears, Keira Knightley, Lindsay Lohan, Madonna, Kate Moss, Gwyneth Paltrow, Julia Roberts, Meg Ryan, Selena Gomez i Catherine Zeta-Jones. Patrick Dempsey, Emma Watson, Cristiano Ronaldo, Irina Shayk, Neymar Jr 1 photoshoot a França a l'actriu Kristen Stewart i un photoshoot a Nick Jonas, entre d'altres.
A més, Testino és conegut per ser fotògraf de part de la reialesa europea, especialment la británica. Entre els més destacats hi ha la princesa Diana de Gal·les, el príncep Carles de Gal·les, la duquessa Camil·la de Cornualla, el duc i la duquessa de Cambridge, el príncep Enric de Gal·les i la reina Rània de Jordània. MARIO TESTINO | OFFICIAL
|
|
|||||
|
Dominique Issermann (nascuda l'11 d'abril de 1947) fotògrafa francesa. Issermann es destaca pels seus treballs en retrats, moda i publicitat. Ha filmat campanyes per Sonia Rykiel, Christian Dior, Nina Ricci, Guess, Lancôme, La Perla, Tiffany, Chanel i molts altres. El seu treball també ha aparegut en els suplements de moda de New York Times, Corriere Della Sera i El Món.
Issermann es destaca per haver fotografiat a Leonard Cohen durant diverses dècades. Cohen va dedicar el seu àlbum I'm Your Man a Issermann. Treballa principalment amb fotografia en blanc i negre. |
MODA / PUBLICITAT / VIDEOCLIPS
A la dècada dels 90 va treballar amb grans marques de moda com són Christian Dior, Nina Ricci, Yves St Laurent, Montana, Hermès o Chanel.
En el canvi de segle sige treballant amb les mateixes revistes i marques importants. El seu estudi creix sense parar. Comença a treballar en els seus arxius per editar postals, per fer una gran exposició que tindrà lloc a ARLES als Rencontres photographiques en la vertiginosa Església dels Frares Predicadors en 2006.
Descobreix l'arquitectura de Peter Zumthor, al Thermes de Vals. Entrena a Laetitia Casta en l'edició d'un nou llibre, "Laetitia Casta per Dominique Issermann".
La seva experiència a Roma li va deixar el gust de cinema. Leonard Cohen en els anys 90 li va donar la realització dels seus clips "Dance Me To The End Of Love" i "First We Take Manhattan", amb Catherine Deneuve, Renaud i Patricia Kaas. Així és com Bob Dylan va arribar un dia en 2004 enfront de la seva càmera, convidat per Victoria's Secret per fer una aparició única i llegendària en el món dels comercials.
Pierre Bergé i Yves Saint Laurent li demanen que fotografiï la preparació i les escenes de l'últim espectacle el 2002 al Centre Pompidou. Per Chanel fa campanyes de bellesa amb Shalom Harlow, Natalia Vodianova, campanyes de joieria amb Anna Mougladis, perfums Allure, Coco Mademoiselle amb Kate Moss i Keira Knightley, N ° 5 amb Audrey Tautou. Gairebé tot el seu temps està ocupada treballant amb Chanel amb parèntesis emocionants per a Christian Dior amb Sharon Stone i Sophie Marceau, altres fragàncies com V de Valentino, "El món d'Hermès" el 2003, 2004 i 2010. I sempre l'alegria de respirar noves pàgines recentment publicades en el revistes com The New York Times o elle amb Monica Bellucci, Patrick Bruel, Carla Bruni, Laetitia Casta, Milla Jovovich, o Fanny Ardant. |
SOFISTICADA I EXPERIMENTAL
Ja entrada a la dècada de 2010 crea uns clips per a les cançons de el nou àlbum de Leonard Cohen, Old Idees, gravats amb un iPhone. Jean-Luc Monterosso, director d'MEC, el convida a exposar de gener a maig de 2012 les fotos de el llibre "Laetitia Casta". Serà un gran èxit. Per l'Acadèmia dels César grava un clip de 30 joves actors i actrius amb el nom de Cèsar 2013. Prèn fotografies de Naomi Campbell a Alaïa, Valérie Donzelli i Jérémie Elkaïm tocant Els Enfants Terribles a la casa de Jean Cocteau a Milly, fa cèlebres fotografies de Nick Cave i la seva dona Susie Cave per a l'àlbum Push the Sky Away. També per Chanel el 2016, fa un anunci per al nou Cream Soft amb la música de Fa Yeung nin wa, la pel·lícula de Wong Kar Wai.
Al novembre de 2017, rep al Carnegie Hall de Nova York el Lucie Awards per la realització del meu treball en fotografia de moda, premi que han rebut Helmut Newton o Annie Leibovitz. A l'hivern de 2017, la campanya de fragàncies de Philippe Starck la mobilitza tot l'hivern. En 2018 comença amb una marató per La Poste, fotografiant en dos dies als cinquanta treballadors postals més mereixedors en el seu treball. |
|||||
|
PREFERÈNCIA PEL B/N |
ÚS DE DIFERENTS MATISSOS DE GRIS |
||||||
|
Herbert "Herb" Ritts Jr (Los Angeles, EE. UU .; 13 d'agost de 1952 - ídem; 26 de desembre de 2002), 1 fotògraf de modes nord-americà que es caracteritzava per fer belles obres en blanc i negre i pels seus retrats d'estil similar a les escultura de la Grècia clàssica.
Algunes de les seves fotos més cèlebres són nus tant masculins com femenins.
Els seus famosos retrats en blanc i negre inclouen a celebritats com Kofi Annan, Cindy Crawford, Tenzin Gyatso (el Dalai Lama), Madonna, Jack Nicholson i Elizabeth Taylor.
Fill d'una família benestant, Ritts va ser el major de quatre germans, i va rebre l'educació per part dels seus pares, Shirley i Herb Ritts Sènior, amos d'una botiga de mobles. El 1974 obté el títol d'economia, a la Bard College. Després de graduat torna a Los Angeles per treballar en el negoci familiar. Mentre està en la Universitat comunica als seus pares la seva orientació homosexual, els quals sempre li van donar suport.
|
Mentre treballa a la botiga familiar de mobles comença a prendre classes nocturnes de fotografia, decidint dedicar-se professionalment a la mateixa a la fi dels 70.
Un dels primers treballs que li va portar fama van ser els retrats que va fer de l'actor Richard Gere. Gere era un desconegut llavors, però un any després s'havia convertit en una gran estrella i les fotos de Ritts de Gere amb armilla blanca, braços sobre el seu cap i cigar en els llavis van aparèixer en moltes revistes d'Estats Units.
Durant els anys vuitanta i noranta va treballar per a Harper 's Bazaar, Rolling Stone, Vanity Fair i Vogue, tant en retrats de celebritats com de models de moda.
El 1981 realitza les fotos per a la portada de l'àlbum d'Olivia Newton-John, Physical. El 1984 comença la seva col·laboració amb Madonna durant el rodatge de Buscant la Susan desesperadament. El 1986 seria el responsable de les fotos de portada de l'àlbum de Madonna, True Blue. Aconsellat per Madonna s'introdueix en el món dels vídeos musicals, debutant amb el vídeo de la cançó Cherish de la pròpia Madonna.
El 1988 fotografia a Steve Winwood per a l'àlbum Roll with it i a l'any següent a Belinda Carlisle per a la portada de Runaway Horses.
|
El 1991 dos dels seus vídeos, Wicked Game de Chris Isaak i Love Will Never Do (Without You) de Janet Jackson, van guanyar premis de la MTV.
El 1992 va dirigir al costat de Michael Jackson el videoclip d'aquest In The Closet al costat de la supermodel Naomi Campbell. També va realitzar diverses sessions fotogràfiques per a tots dos.
Va fotografiar a Cindy Crawford per a dues portades de la revista Playboy: al juliol de 1988 ia l'octubre de 1998.
Les seves últimes fotografies publicades van ser les publicades en el Vanity Fair de l'actor Ben Affleck, realitzades tan sols 10 dies abans de morir.
Mor a Los Angeles de complicacions d'una pneumònia. Es presumia que era portador d'VIH.2 En el moment de la seva mort la seva parella era Erik Hyman.
Durant la seva vida va col·laborar amb moltes organitzacions de lluita contra la sida.
|
|||||
|
David LaChapelle (Hartford, Connecticut, 11 de marzo de 1963) fotògraf y director estadounidenc
fotògraf comercial, fotògraf de belles arts, director de vídeos musicals i director de cinema.
És millor conegut per la seva fotografia, que sovint fa referència a la història de l'art i, de vegades, transmet missatges socials. El seu estil fotogràfic ha estat descrit com "hiperrealista i astutament subversiu" i com "surrealisme pop kitsch".
Un cop cridat el Fellini de la fotografia, LaChapelle ha treballat per a publicacions internacionals i ha exhibit el seu treball en galeries comercials i institucions de tot el món.
Les seves fotografies han estat exhibides en les galeries Staley-Wise and Toni Shafrazi Galleries a Nova York i Fahey-Klein a Califòrnia, així com a Art Trend a Àustria, Camerawork a Alemanya, Sozzani and Palazzo delle Esposizioni a Itàlia, al Barbican Museum a Londres i més recentment en ciutat de Mèxic i el MALBA a Argentina.
Sumat a la fotografia, LaChapelle dirigeix vídeos musicals per selectes artistes, com ara The Dandy Warhols (not if you were the last Junkies on earth), Jennifer Lopez, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Whitney Houston, Moby (Natural Blues, ) Macy Gray, Blink 182, Elton John, Christina Aguilera ( "Dirrty") i The Vines. Es va planejar que dirigís el videoclip de "Sorry" de Madonna, però ho va plantejar amb un toc de sordidesa similar a "Dirty", i Madonna finalment va triar a un altre director que donés un toc més optimista. |
OPTIMISME CROMÀTIC I FRESCOR
El seu primer acostament a la fotografia va ser quan tenia 6 anys d'edat, durant unes vacances familiars a Puerto Rico. Allà va utilitzar la càmera per retratar a la seva mare, Helga LaChapelle, qui vestia un bikini i bevia xampany en un balcó. Des d'aquest moment, va quedar obsessionat amb la fotografia.
Als 15 anys es va mudar a Nova York. Va mentir sobre la seva edat i va aconseguir treball a la discoteca Studio 54, on netejava les taules de grans celebritats i artistes, com Liza Minnelli. Més tard, el seu pare el portaria de tornada a sud, on el va obligar a estudiar a l'Escola d'Arts de Carolina de Nord. Només hi havia 30 estudiants en el seu curs, de manera que l'ensenyament impartit va ser excepcional.
Després del seu retorn a Nova York, als 18 anys, va entrar a treballar a bar gai Browns.
Al costat del seu nuvi, el ballarí Ricardo Martinez, van estar vivint en un apartament de condicions humils. A el cap de dos anys, Louis Albert va morir víctima d'la sida, a l'igual que molts amics de LaChapelle.
La carrera de LaChapelle va començar de manera significativa en l'any 1982, quan Andy Warhol el va impulsar a publicar les seves fotografies "Interview".
"Andy Warhol correspon perfectament a la seva època", comenta el fotògraf. "Sens dubte és un gran artista de segle XX. Va ser molt generós i vaig aprendre molt amb ell, però pertanyem a dues generacions diferents i tenim idees diferents. L'art més valuós avui és aquell que aconsegueix aclarir el temps en què vivim, i és el que intento fer. "
L'any 2007, LaChapelle va presentar la seva sèrie de fotografies Awakened (en espanyol: 'Desperts'). Les imatges estan inspirades en el Diluvi Universal, sent l'aigua i la religió els elements comuns en tota la col·lecció.
En algunes de les fotos es veu a diversos individus (un acòlit i un rocker, entre d'altres) suspesos en l'aigua com cadàvers, mentre que en altres es poden veure museus i catedrals inundats. Una de les obres més representatives de la col·lecció és una gegantesca fotografia que mostra una versió contemporània d'El Diluvi de Miguel Ángel. L'escena està ambientada a la ciutat de Las Vegas i inclou ruïnes de l'hotel Caesars Palace al fons i cartells de Gucci i Burger King destrossats.
Les imatges de LaChapelle han forjat un estil particular que resulta únic, original i inconfusible. És un dels fotògrafs contemporanis més influents que emergeix de l'àmbit de l'espectacle. Amb el seu estil molt personal, les imatges d'aquest artista exploren terrenys extrems, desquiciantes, eròtics, moltes vegades barroquitzants, de vegades sublims i altres d'estranys nivells d'ostentació visual. Assumir el risc de dir veritats que incomoden valent-se d'imatges pertorbadores és molt comú entre els artistes, però, encara que els seus mitjans d'expressió siguin qualificats com irreverents, sempre són invitacions a reconsiderar, revisar o replantejar la manera en què la societat actual enfronta les contradiccions, injustícies, abusos i excessos que l'afebleix.
|
FLIRTEJA AMB EL KITCH
Les desgavellades imatges de David LaChapelle, bizarres i fantàstiques, han aparegut a les pàgines i portades de les revistes Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face i GQ, només per nomenar algunes.
El seu estil és singular i recognoscible, treballa amb plans oberts, escenes fresques i extremadament acolorides deixant veure el seu estil pop-art. Les seves preses tenen una feina minuciosos i detallista, treballant amb l'aspecte físic de el personatge portant gairebé a la caricatura. "Intento fer fotografies que no hagi vist mai abans" assegura LaChapelle. Talentós creatiu, juga amb escenes fictícies i grotesques, majoritàriament artificials i compta amb una excel·lent producció, les imatges en general són en el moment de la presa, amb poca postproducció. També podem veure en els seus treballs la crítica a la societat en què vivim plena d'excessos i vanitat.
La seva incondicional dedicació a l'originalitat és llegenda dins el món de la moda, el cinema i la publicitat. LaChapelle ha participat en campanyes publicitàries per a una varietat de clients que inclouen L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cerveseria Cuauhtémoc Moctezuma i la campanya Got Milk ?.
David ha fotografiat nombroses portades de discos per a artistes de la talla de Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna i Kylie Minogue.
El seu reeixit primer llibre, LaChapelle Land, va ser publicat el 1996 per l'editorial Collaway, portant dins del seu extravagant embolcall, una explosiva col·lecció de retrats de celebritats i models, incloent a Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore i Elton John. El successor d'aquest debut va ser el llibre Hotel LaChapelle, també editat per Collaway el 1999, on s'exhibeixen imatges fresques amb inoblidables colors. LaChapelle continua aconseguint fotografies que confronten els nostres gustos visuals, donant una nova mirada a l'paisatge actual.
Una de les seves més recurrents muses és Amanda Lepore, amb qui ha creat imatges en què es nota un peculiar sentit de l'humor, incloent-hi nus.
|
|||||
|
Fotògraf, director de disseny de maquillatge i mestre de la color, Tyen ha treballat durant els últims 30 anys amb House of Dior per crear algunes de les seves imatges i productes més duradors.
|
ELIMINA LA IDENTITAT I EL ROSTRE DE LA MODEL
Va començar la seva carrera maquillant escenaris per a l'Òpera de París, però aviat va ser descobert pel món de les revistes, on va crear looks per a fotògrafs com Richard Avedon, Irving Penn i Bill King.
|
SOFISTICACIÓ I ESTILITZACIÓ FORMAL
El maquillatge com a eina transformadora i a la vegada visible o protagonista
En un any, Tyen va revelar el seu talent com a fotògraf, primer per les seves pròpies campanyes, després per a revistes de moda establertes: Vogue, L'Uomo Vogue, Harper 's Bazaar i Elle, i per dissenyadors de prestigi com Versace, Valentino, Issey Miyake i Gianfranco . Ferré, entre d'altres. |
|||||
|
Karl Otto Lagerfeld (Hamburg, 10 de setembre de 1933-Neuilly-sur-Seine, França 19 de febrer de al 2019) dissenyador de moda alemany, considerat un dels més influents de la segona meitat de segle XX.
Devia gran part de la seva popularitat a la seva tasca per a la signatura Chanel, a la seva activitat com a fotògraf i també als seus cridaneres aparicions públiques, en les que en general estava envoltat de celebritats de l'espectacle i supermodels.
Lagerfeld va emigrar a París el 1953. El 1955, als vint-i-anys, Lagerfeld va ser premiat amb un lloc de treball a la casa de modes Pierre Balmain, després d'haver guanyat un concurs de disseny d'abrics patrocinat pel Secretariat Internacional de la Llana, on també va conèixer a Yves Saint Laurent.
El 1958, Lagerfeld va esdevenir director artístic de Jean Patou. El 1964 va viatjar a Roma, per estudiar història de l'art i treballar per a la signatura Tiziano, però aviat va començar com a treballador independent per a multitud de marques com Chloe, Charles Jourdan, Krizia i Valentino.
El 1967, Fendi el va contractar per modernitzar la seva línia de pells. Els dissenys de Lagerfeld van resultar ser innovadors, ja que va introduir i va posar de moda l'ús de pells com conill i esquirol. Va romandre amb Fendi fins a la seva mort. A l servei de diverses firmes
|
DISSENYADOR I FOTÒGRAF
EL RETRAT identificat formalment i social amb FOTO / MODA
Lagerfeld es va fer definitivament un nom internacional amb Chanel; ia més, en els 80 va fundar la seva pròpia marca, anomenada Karl Lagerfeld, la qual llança perfums i línies de roba.
Quan va entrar a Chanel el 1983, la marca es considerava "gairebé morta" des de la mort una dècada enrere de la seva fundadora Coco Chanel. Lagerfeld va reflotar l'empresa i, mantenint l'estil característic, però el va renovar i va convertir en definitivament atemporal, amb la jaqueta chanel dels 50 adaptable a tot tipus de looks, i introduint les cadenes daurades, la camèlia i el logo de la doble CC com a característiques inconfusibles.
Lagerfeld era conegut pel seu gust i costums elitistes, d'una excentricitat de vegades snob, que no dubtava a barrejar amb picades d'ullet a la cultura de consum i als estels populars. A principis de la dècada de 1990 va triar a nudistes i una estrella italiana de films eròtics (Moana Pozzi) perquè desfilessin amb la seva col·lecció Blanc i negre per a la signatura Fendi; s'explica que la crítica de moda Anna Wintour va abandonar la sala, disgustada. A les crítiques contra Pozzi, Lagerfeld va respondre: «Les dones comunes caminen com Moana i com a models a l'50%».
Va produir peces llegendàries com el banyador amb aigua bombolles brollant en el front, un vestit imitant un automòbil amb una graella de radiador i para-xocs, i una infinitat de barrets excèntrics.
Lagerfeld va treballar com a dissenyador per les cases de moda més importants:
1955-1958: Pierre Balmain 1958-1963: Jean Patou 1963-1978, 1992-1997: Chloé 1965-2019: Fendi 1974-2019: Karl Lagerfeld 1983-2019: Chanel 2004: Hennes & Mauritz (H & M) |
INSPIRAT PER OSKAR SCHLEMMER (escultor alemany dels anys 20 / 30) i sota la influència de preceptes establerts per la fotografia amb influència d’AVEDON
També va ser fotògraf i va produir Visionaire 23: The Emperor 's New Clothes, una sèrie de fotografies de nus del model sud-africà David Miller. El 1996 va rebre el premi de cultura de l'associació alemanya de fotografia.
A més, el fet que «el rei de la moda» o el "Kaiser" (com deien a Karl a Alemanya ia altres diversos països d'Europa) va estar personalment interessat en el grup musical Tokio Hotel, va demostrar que el líder d'aquest grup , Bill Kaulitz, està molt familiaritzat amb el món de moda. En la tardor de 2009 Lagerfeld va fotografiar a Kaulitz per a la revista Vogue alemanya, el que va ser un gran honor per a Bill:
"Vaig començar a estar interessat en això a una edat molt primerenca, també vaig cosir i vaig dissenyar unes coses per mi mateix i per descomptat és un somni fer alguna cosa per a algú com Karl Lagerfeld, per a mi va ser completament un moment genial i per descomptat vaig estar feliç que ell se n'adonés, ell mirés i li agradés i això, també crec que ell és súper ". (Bill Kaulitz, cantant de Tokio Hotel).
El 2010, va ser el fotògraf triat per al tradicional Calendari Pirelli de l'any següent. Va caracteritzar a les models (entre elles, l'actriu Julianne Moore) com a personatges mitològics i (per primera vegada en aquest calendari) va incloure nus masculins.
Com a director creatiu de Chanel, realitzava personalment les campanyes publicitàries de la casa, amb les seves pròpies fotografies. |
|||||
|
IDENTIFICACIÓ SOCIAL I FORMAL DE RETRAT / FOTO / MODA
Si bé In the American West és una de les obres més notables d'Avedon, sovint ha estat criticada per falsificar a Occident a través de temes voyeurs i per explotar els seus subjectes. Els crítics qüestionen per què un fotògraf d'Orient que tradicionalment s'enfoca en models o figures públiques aniria a l'Oest per capturar els membres de la classe treballadora que representen les dificultats i el patiment. Argumenten que les intencions d'Avedon són influir i evocar emocions condescendents de l'espectador, com la llàstima.
El 1994, Avedon va revisar als seus subjectes que després parlarien sobre les seqüeles d'In the American West i els seus efectes directes. Billy Mudd, un camioner, va passar llargs períodes de temps sol lluny de la seva família. Era un home deprimit, desconnectat i solitari abans que Avedon li oferís l'oportunitat de ser fotografiat. Quan va veure el seu retrat per primera vegada, Mudd va veure que Avedon podia revelar alguna cosa sobre Mudd que li va permetre reconèixer la necessitat d'un canvi en la seva vida. El retrat va transformar a Mudd i el va portar a deixar la feina i tornar amb la seva família.
|
“LA MODA ÉS EL CONTINUU FLAIX DEL TEMPS”
DINAMISME en la tradició de MUNKACSI Combina moviment amb la tradició estàtica dels estudis
Avedon es va convertir en el primer fotògraf de personal de The New Yorker el 1992, on es va publicar la seva faula de moda salvatge i postapocalíptica "En memòria de l'difunt Sr. i Sra. Comfort", amb la model Nadja Auermann i un esquelet , es va publicar el 1995.
Altres imatges per a la revista, des de la primera publicació, el 1994, de fotos inèdites de Marilyn Monroe fins a una ressonant interpretació de Christopher Reeve en la seva cadira de rodes i fotografies de Charlize Theron nua en 2004, van ser temes de àmplia discussió.
Alguns dels seus retrats novaiorquesos menys controvertits inclouen els de Saul Bellow, Hillary Clinton, Toni Morrison, Derek Walcott, John Kerry i Stephen Sondheim. [2] En els seus últims anys, va continuar contribuint a Egoiste, on van aparèixer les seves fotografies des de 1984 fins a 2000. [cita requerida] El 1999, Avedon va fer les fotos de portada de Addicted to You de el cantant japonès-americà Hikaru Utada.
La fotògrafa Annie Leibovitz nomena Avedon com una gran influència, descrivint el seu estil com "reportatge personal", desenvolupant una estreta relació amb els subjectes. |
PER A HARPER’S BAZAAR I VOGUE
Destaca “El transeünt del segle” per a “Egosit”, fent servir de model Stephanie Seymour travessant un segle de moda.
L'episodi del documental American Masters de Helen Whitney de 1996, Avedon: Darkness and Light, mostra a un Avedon envellit que identifica In the American West com la seva millor obra. El projecte estava integrat amb l'objectiu d'Avedon de descobrir noves dimensions dins de si mateix, des d'un fotògraf jueu d'Orient que celebrava les vides de figures públiques destacades, fins a un home envellit en un dels últims capítols de la seva vida, fins a descobrir els mons interns, i històries no explicades de les seves subjectes rurals occidentals.
Durant el període de producció, Avedon va trobar problemes amb la disponibilitat de mides per a paper d'impressió de qualitat. Mentre experimentava amb la impressió en platí, finalment es va decidir per Portriga Rapid, un paper de gelatina platejat a força de fibra de doble gramatge fabricat per Agfa-Gevaert. Cada impressió va requerir un treball meticulós, amb una mitjana de trenta a quaranta manipulacions. Es van imprimir dos conjunts d'exposicions de In the American West com a proves d'artista, un per romandre en el Carter després de l'exposició allà, i l'altre, propietat de l'artista, per viatjar als sis llocs següents. En general, la impressió va prendre nou mesos, consumint aproximadament 68,000 peus quadrats |
Un cas apart i peculiar des dels anys 30 als 50 a les grans revistes i des de llavors en endavant independent:
|
PARADIGMA DEL DISSENYADOR / FOTÒGRAF DE MODA, GLAMOUR I LUXE.
|
DEL REPORTER DE GUERRA AL FOTÒGRAF DE MODA, RETRATISTA DE PRESTIGI I ESCENÒGRAF
|
|
|
Cecil Walter Hardy Beaton (Hampstead, Londres, 14 de gener de 1904 - Reddish House, Wiltshire, 18 de gener de 1980) fotògraf i modista britànic, activitats que va compaginar amb la direcció artística de produccions cinematogràfiques i teatrals, recompensada amb tres premis Òscar i amb quatre premis Tony.
Beaton va néixer el 14 de gener de 1904 a Hampstead (Londres), 1 fill d'Ernest Walter Hardy Beaton (1867-1936), un pròsper comerciant de fusta, i de la seva esposa Etty Sissons (1872-1962). L'empresa familiar (Beaton Brothers) havia estat fundada pel seu avi Walter Hardy Beaton (1841-1904). Els seus pares van ser actors aficionats.
Rolleiflex de 1932, un tipus de càmera utilitzada per Beaton.
Cecil Beaton va ser educat en la Heath Mount School (on va ser intimidat pel seu company Evelyn Waugh, després famós novel·lista) i en la St Cyprian 's School de Eastbourne, on el seu talent artístic va ser reconegut ràpidament.
La seva mainadera utilitzava una càmera Kodak 3A, i va ser ella qui va començar a ensenyar-li els rudiments de la fotografia, que posava en pràctica amb les seves germanes i la seva mare que posaven per a ell.
Posteriorment va assistir a l'Harrow School, i malgrat el seu nul interès pel món acadèmic, es va matricular al St John 's College de Cambridge, on va estudiar història, art i arquitectura.
Va continuar amb la fotografia, i mitjançant els seus contactes universitaris va poder publicar el seu primer retrat (el de la duquessa de Malfi) a la revista Vogue.
Beaton va deixar Cambridge sense un títol en 1925, provant després a treballar en diversos llocs de treball infructuosamante, mentre continuava gairebé compulsivament amb la fotografía. Per fi, sota el patrocini de Osbert Sitwell, va aconseguir realitzar la seva primera exposició a la Coolling Gallery de Londres, causant un gran enrenou.
Posteriorment, es va traslladar a Nova York i poc a poc es va construir una reputació allà. En el moment de marxar, "tenia un contracte amb Condé Nast Publications per fer fotografies en exclusiva per a ells durant diversos anys per valor de milers de lliures anuals" .
|
Cecil Beaton va ser conegut per la seva primera exposició a Londres de 1926. A continuació, després de crear el seu propi estudi de fotografia (dedicat a la moda i als retrats) a finals de la dècada de 1920, va treballar per a l'edició americana de Vogue, 14 que el va contractar inicialment com a il·lustrador abans de convertir-se en fotògraf. Poc després, signa un contracte amb la versió britànica de la revista Vogue en 1931 - va fer la seva primera portada al juliol 1932 - per a la qual trabajó15 fins a mitjans de la dècada de 1950, juntament amb Henry Clarke.
Va començar la seva carrera fotografiant als seus amics rics i famosos. També va treballar amb la revista de moda Harper 's Bazaar i per a la revista Vanity Fair.16 El Xa de Pèrsia Mohammed Reza Pahlavi amb la seva família a Teheran durant la Segona Guerra Mundial. Foto de Cecil Beaton.
Va realitzar nombrosos retrats de celebritats al Hollywood dels anys 1930, i va ser retratista oficial de la família reial britànica en 1937.17
A principis de la dècada de 1950, va acusar una certa decadència com a fotògraf de moda, i es va convertir en un fotògraf independent. En aquesta època, es va encarregar de fotografiar la magnificent festa organitzada en el seu palau de Venècia per l'excèntric multimilionari d'origen hispà-mexicà Carlos de Beistegui, a qui va arribar a conèixer de prop. A partir de llavors, es va anar bolcant en l'elaboració de decorats i vestuaris per al teatre i per al cinema.
Curiosament, la planta superior de la casa s'havia equipat per baralles il·legals de galls al començament de segle XX, i Beaton utilitzava les gàbies com armaris per guardar els vestits dels seus dissenys per a la pel·lícula My Fair Lady. Va romandre a la casa fins a la seva mort el 1980, després de patir un vessament cerebral que el va deixar incapacitat del seu costat dret, frustrant la seva feina. Es va procurar suport econòmic durant l'última etapa de la seva vida organitzant successives subhastes del seu material original amb Sotheby. Està enterrat al cementiri local.10 11 des
De 1930 a 1945, Beaton va estar llogant una llar a Ashcombe House (Wiltshire), on va rebre a moltes figures notables. També va comprar una casa unifamiliar a Londres, el 1940. Reddish House, la seva residència a Broad Chalke.
El 1947 va comprar Reddish House, la seva casa de camp situada a uns vuit quilòmetres a l'est de la vila de Broad Chalke (Salisbury). Greta Garbo era un visitant habitual.9 Làpida de Sir Cecil Beaton al pati de l'església de Broad Chalke
|
Etapa d'escenògraf cinematogràfic i teatral
Després de la guerra, Beaton va començar a treballar a Broadway, dissenyant el 1946 l'attrezzo, el vestuari, i la il·luminació de l'obra "El ventall de Lady Windermere" d'Oscar Wilde, en la qual també va actuar.
El seu assoliment més elogiat va ser l'escenografia de l'obra teatral My Fair Lady (1956), que va donar lloc a dues pel·lícules musicals de gran èxit per les quals va ser premiat amb l'Oscar a la millor vestuari: Gigi (1958) i My Fair Lady (1964 ). Primer Ministre de Manipur (1944) preparant-se per la coronació de la nova Maharaja Bodh Chandra Sing.
Va rebre quatre premis Tony pels seus muntatges teatrals a Broadway. També va dissenyar els decorats i el vestuari per a una producció de l'òpera de Puccini Turandot, utilitzats per primera vegada al Metropolitan Opera de Nova York i després al Covent Garden. Finalment, també va dissenyar el vestit acadèmic de la Universitat d'East Anglia.18
Segona Guerra Mundial
Durant la seva carrera, també va ser il·lustrador i cronista. A més, és recordat per les seves fotografies de la Segona Guerra Mundial preses a Gran Bretanya especialment durant els bombardejos sobre Londres de l'aviació alemanya, que van ser publicades en 1942 a l'altre costat de l'Atlántic.
diaris
En vida de Beaton es van publicar sis volums dels seus diaris des de 1922 a 1974. Les versions íntegres, molt més franques i incisives, es van publicar després de la seva mort.
Els seus principals exposicions es van celebrar a la National Portrait Gallery de Londres el 1968 i 2004.
El gran amor de la seva vida va ser el col·leccionista d'art Peter Watson, encara que mai van ser amants. Va tenir relacions amb diversos homes, entre ells l'ex esgrimista olímpic Kin Hoitsma.13 També va tenir relacions amb les dones, incloent-hi les actrius Greta Garbo i Coral Browne, el ballarí Adele Astaire, i la "socialite" britànica Doris Castlerosse.
|
<iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/eCKx72zhbUU" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe>
 |
| Helmut Newton |
Cecil Beaton:
William Lkein
Peter Lindbergh
Cartier-Bresson
No hay comentarios:
Publicar un comentario